Ноты, Аккорды - Зарубежная эстрада - Песни

Эстрада



Ноты в pdf
Песни в исполнении звезд зарубежной эстрады
для голоса
в сопровождении фортепиано
(баян, гитара), электрогитары

Все выпуски в одном архиве rar!!!

 

 

Скачасть нотные сборники

МАСТЕРА ЗАРУБЕЖНОЙ ЭСТРАДЫ
Выпуск 1
Песни для голоса в сопровождении фортепиано (баяна, гитары)
"Музыка", 1980г.
(pdf, 3.35 Мб)

Содержание:

 



ДЖО ДАССЕН родился в Нью-Йорке в 1938 году. Его родители эмигрировали из Венгрии в США еще до первой мировой войны. В семье были сильны традиции европейской культуры; мальчик получил хорошую музыкальную подготовку. Когда Джо было 11 лет, семья была вынуждена покинуть США. Дассену - старшему, известному кинорежиссеру, запретили работать в голливудских киноателье, заподозрив его, как и многих других прогрессивных артистов того времени, в коммунистических симпатиях. В поисках работы Жюль Дассен некоторое время переезжал из страны в страну, пока не поселился в Париже.
Юный Джо учился в Риме, Лондоне, Париже и Женеве, но университет закончил в США, в Мичигане, где получил диплом этнографа. За это время Дассен сменил множество профессий: мыл посуду в ресторанах, работал дворником, официантом, водопроводчиком, водителем грузовика. Какое-то время был ассистентом у своего отца, статистом в некоторых фильмах. Его первые выступления прошли в студенческой аудитории Мичиганского университета. Он пел песни своего любимого Жоржа Брассанса, аккомпанируя себе на шестиструнной гитаре.

Получив диплом, Дассен возвращается во Францию («чтобы лучше изучить творчество Брассанса»), где и записывает свою первую пластинку. Он пел тогда по-английски народные американские баллады—«фолк-сонг». Пластинка пользовалась некоторым успехом, но Дассен, недовольный собой и не находя песен по своему вкусу, начинает сочинять их сам. В 1969 году певец поразил парижский зал «Олимпия» великолепным выступлением: пресса писала, что дебютант покоряет и эффектной внешностью, и совершенными движениями, и прежде всего обаятельным, чуть хрипловатым баритоном. Со временем Дассен отошел от своего традиционного репертуара («фолк-сонг»), и лирическая песня стала играть основную роль в его программах. Некоторые из песен Джо Дассена получили мировую известность: «Елисейские поля» (по подсчетам песня прозвучала в эфире более 10 000 раз), «Бабье лето», «Так-таката», «Тебе» и другие. Дассен всегда стремился заинтересовать слушателей, развлечь их. «Человек в нашем обществе часто одинок. Его нужно подбодрить. Нужно дать ему возможность вспомнить светлые минуты своей жизни, понадеяться на новые. Вот зачем я пою», — сказал Джо Дассен в беседе с корреспондентом «Комсомольской правды» во время своего недавнего приезда в нашу страну. Ему было за сорок, у него был свой стиль, но он не переставал искать.

«АББА» — популярная шведская группа была создана в 1972 году при активном участии директора музыкальной фирмы «Полар» Стига Андерсона. Сам музыкант и композитор, С. Андерсон угадал в молодых людях композиторское дарование и блестящие музыкальные способности. Название ансамбля «АББА» образовано от первых букв имен его участников: Агнеты, Бьёрна, Бенни и Анни-фрид. Все четверо были известными музыкантами еще до создания квартета. В 60-е годы Бьёрн Ульвеус и Бенни Андерссон играли в составе двух наиболее популярных шведских ансамблей «The Hootenanny Singers» и «The Hep Stars». Первую песню они написали совместно в 1966 году, а уже в следующем их песни появляются в Швеции на грампластинках. Примерно тогда же начинает выступать на эстраде с сольными номерами и Анни-Фрид Лингстад, а сочиненная семнадцатилетней Агнетой Фельтског песня занимает первое место в списке лучших шведских песен. Международное признание приходит к группе «АББА» в 1974 году, когда песня «Ватерлоо» заняла первое место на фестивале Евровидения в городе Брайтоне (Англия). После «Ватерлоо» появились такие бестселлеры, как «I do», «S.O.S.», «Fernando» и другие.
В июне 1976 года на сцене стокгольмской Королевской оперы в гала-концерте впервые прозвучала песня «Dancing Queen» («Танцующая королева»). Эта лесня, а также другая «Knowing Me, Knowing You» («Зная тебя, зная меня») — входит в диск-альбом «Аггival» («Прибытие»), хорошо известный в нашей стране. С тех пор группа выпустила еще два диска: «Тпе Album» («Альбом», 1977 год) и «Voulez-vous» («Как вы хотите», 1979 год).
Квартет «АББА» отличает высокий профессионализм, тщательный и критический подход к созданию каждого произведения, творческая интуиция, помогающая безошибочно угадывать вкусы любителей легкой музыки разных возрастов. Отсюда — всеобщий и заслуженный успех коллектива.


АНДРЕАС ХОЛЬМ входит в десятку популярнейших эстрадных певцов ГДР.
Он родился и вырос в Берлине. По профессии парикмахер, он настолько приобщился к музыке, что, пройдя солидную подготовку по музыкально-теоретическим дисциплинам и вокалу, уверенно дебютировал в эстрадной программе радио с песнями «Мое сердце — компас любви» и «Твой маленький портрет». Песни эти быстро завоевали прочное место в ведущих эстрадных программах, а известная фирма звукозаписи АМИГА заключила контракт с молодым певцом. С тех пор вышло в свет более 25 грампластинок с песнями Андреаса Хольма.
В 1972, 1974 и 1975 гг. он становится победителем ежегодной программы студии эстрадной песни телевидения ГДР. В 1975 году он признан самым популярным среди исполнителей-мужчин ГДР; в том же году получает приз на фестивале эстрадной песни социалистических стран «Дрездеи-75» за исполнение песни Арндта Баузе «Где ты?».
Андреас Хольм предпочитает песни танцевального характера, с подчеркнутым ритмом, яркой динамикой, не отказываясь также от лирики и юмора. Репертуар Хольма — «массовые повседневные эстрадные песни, пользующиеся вот уже годы большим успехом («Neues Leber)» № 6/1975 г.). Сам певец считает, что его призвание — «распространять радость и радостное настроение». Те, кто когда-нибудь был- на концерте Андреаса Хольма, не могут с этим не согласиться. Певец гастролировал в Болгарии, Чехословакии, Польше, Швеции, Финляндии, на Кубе. С его искусством познакомились любители эстрады Советского Союза.

НЕЙЛ ДАЙМОНД родился в Бруклине (Нью-Йорк, США) в 1941 году. С 12 лет Даймонд начал учиться игре на гитаре. Окончив школу, он поступил в Нью-йоркский университет на медицинский факультет. В начале 60-х годов он пробует свои силы в сочинении песен, сотрудничая с некоторыми нью-йоркскими музыкальными фирмами. Его песни быстро входят в репертуар таких звезд, как Бобби Винтон и Энди Вильяме. В 1966 году песня «Я поверил», написанная для группы «Monkeys», становится одной из самых популярных в истории рок-музыки и приносит известность ее автору. В мае 1966 года Даймонд записал первую песню своего сочинения в собственном исполнении «Одинокий человек», принесшую ему успех как исполнителю. Настоящая слава приходит к нему в 1969 году, когда он получает «Золотые диски» за песни «Чери-чери», «Нежная Каролина» и «Хрупкая Рози». В 1970 году эти песни, а также другие — «Пой грустную песню», «Бруклинские дороги», «Женщины Кентукки» — принесли Н. Даймонду мировой успех, он стал популярен не только в Америке, но и в Англии и других европейских странах. Песни его прочно вошли в репертуар многих знаменитых исполнителей — Клифа Ричарда, группы «Les Hamphry Singers» и др. В своем творчестве Даймонд синтезирует характерные черты стиля рок, музыки кантри и ритмы стран Латинской Америки.
В последнее время Даймонд чаще обращается к более крупным формам: в большинстве случаев это инструментальная музыка с введением голосов. Среди таких композиций — «Африканская трилогия», в которой Даймонд использует первобытные ритмы и обрядовую музыку народов Африки.
Слова к своим песням. Даймонд пишет сам. В отличие от многих зарубежных шлягеров, его песни поэтичны и содержательны, часто имеют социальный подтекст. Их мелодии выразительны, напевны, эмоциональны. Аудитория их очень широка; студенты и люди пожилые, и просто любители потанцевать. Главное качество сочинений Нейла Даймонда — умение создать настроение. Поэтому все чаше его музыка звучит по радио, с теле- и киноэкрана.
Н. Матвеева

 

 

Ноты зарубежных песен

МАСТЕРА ЗАРУБЕЖНОЙ ЭСТРАДЫ
Выпуск 2
Песни для голоса в сопровождении фортепиано (баяна, гитары)
"Музыка", 1981г.
(pdf, 3.71 Мб)

Содержание:

 

Переложения выполнили: № 1, 2, 4—6, 12 —Б. Клейман, № 7—9, 11—0. Тычин.



МИРЕН МАТЬЕ. В ноябре 1965 года в популярной воскресной передаче французского телевидения «Теле-диманш» приняла участие никому тогда не известная молодая певица из Авиньона Мирей Матье. Выступление ее прошло с грандиозным успехом. И о Мирей Матье сразу же заговорили как о второй Эдит Пиаф. Родилась Мирей в Авиньоне в семье рабочего-каменщика (кроме нее в семье было еще тринадцать детей). Окончив начальную школу, работала на бумажной фабрике: клеила конверты. С детства мечтала стать певицей. В семнадцать лет Мирей участвовала в конкурсе самодеятельных певцов в Авиньоне, на котором ей был присужден первый приз за исполнение песни Эдит Пиаф «Жизнь в розовом свете>. Через полгода ее пригласили в столицу — и вот долгожданный успех. Мирей Матье дебютирует в знаменитом парижском зале «Олимпия». Годом позже увидела свет ее первая грампластинка «Мое кредо». Певица отправляется на гастроли в страны Европы и Америки, выступает в телеконцертах в США. Вместе с оркестром П. Мориа в 1967 году М. Матье приезжает в Советский Союз. Она — лауреат многих конкурсов, ее пластинки расходятся миллионными тиражами. В 1976 году М. Матье приняла участие в Днях Франции на советском телевидении. Страстно, прозвучала в ее исполнении на заключительном концерте в Большом театре песня П. Мориа «Когда настанет день, товарищ?», написанная к пятидесятилетию Великого Октября. В репертуаре М. Матье песни многих композиторов — П. Мориа, К. Гобера, П. Карли, К. Бруна и других. Прекрасные песни создал для Мирей Матье Франсис Лей («Да, я хочу быть любимой» и др.). Прослушав начинающую Матье, прославленный французский певец Морис Шевалье сказал: «Она станет самой знаменитой эстрадной певицей Франции». Его пророчество сбылось. Сегодня голос Мирей Матье знает весь мир.

КАТИ КОВАЧ. На сцене Кати Ковач выступает уже пятнадцать лет. «Открытие» ее для широкой публики состоялось на «Конкурсе молодых талантов» в 1965 году.
организованном венгерским телевидением. Как вспоминает сама певица, первое время она чувствовала себя у микрофона скованно, неуверенно. Но скоро исполнительская манера Кати резко изменилась. Она стала двигаться легко, непринужденно. В этом ей помогли занятия танцами и теннисом. Кати убеждена: если не умеешь двигаться, танцевать, чувствовать ритм песни, если не вкладываешь в песню всю душу — настоящим артистом не станешь. Кати Ковач — лауреат многих конкурсов. В 1966 и в 1972 годах она получила первый приз на венгерских фестивалях попмузыки. На концертах певицы зал всегда переполнен. И весь концерт она держит публику в огромном напряжении. Кати — настоящий художник. В содружестве с Т. Концем она создала ряд песен, которые обошли весь мир. С ней сотрудничают многие венгерские композиторы и поэты, среди них: Г. Презор из ансамбля «Локомотив „ГТ"», П. Габор, Н. Фаркаш. Кати выступает с ведущими венгерскими группами. На ее счету свыше пятидесяти пластинок, из которых шесть «золотых». Сегодня имя Кати Ковач известно всему миру. Ее творческая деятельность не ограничивается эстрадой. Она снялась в семнадцати кинофильмах и в 1968 году была признана лучшей венгерской киноактрисой года.

ГРЭГ БОНЭМ родился в Австралии. Впервые он выступил на сцене, когда ему было всего тринадцать лет. Профессиональным музыкантом стал, окончив Сиднейскую консерваторию. Сейчас это настоящий мастер со своим оригинальным исполнительским лицом. Три года назад Грэг Бонам, уже популярный на родине певец, переехал в Англию, где сразу же получил приглашение выступить в лучших лондонских музыкальных клубах.
Недавно певец выпустил свою первую большую пластинку, разошедшуюся огромным тиражом. Грэг Бонэм ведет напряженную творческую жизнь: записи, концерты, гастроли.
В 1978 году Грэг Бонэм приехал на гастроли в Советский Союз. Певец сразу же покорил сердца советских слушателей прекрасным голосом, непринужденной манерой, виртуозной игрой на трубе.

«ЧЕРВОНЫ ГИТАРЫ»
— один из самых популярных в Польше вокально-инструментальных ансамблей. Он был создан в 1963 году учащимися Гданьского музыкального лицея. Последние тринадцать лет ансамбль выступает в следующем составе: С. Краевски (руководитель,
автор большинства песен, певец и гитарист), Е. Скшипчик (певец, ударник, а также композитор), Б. Дорновски (двенадцатиструнная гитара и ударные) и Я- Поспешальски
(бас-гитара).
Группа дебютировала в 1965 году на конкурсе молодых гитаристов. Тогда же «Червоны гитары» были единодушно признаны новым явлением на польской эстраде. Первый большой успех пришел к ансамблю в 1968 году на Фестивале польской песни в Ополе (первая премия за исполнение песни «Такие красивые глаза»). С 1967 года ансамбль выпустил тринадцать долгоиграющих пластинок, три из которых стали «золотыми». Пластинки с записями ансамбля выходят и за пределами Польши, в том числе у нас в стране. В своих песнях «Червоны гитары» широко используют чисто польские, славянские фольклорные мотивы. Как правило, тексты исполняемых песен отличаются мастерством и вкусом. Среди них и стихи знаменитых современных поэтов Польши — А. Осецкой, М. Чапиньской и др. «Червоны гитары» — не просто певцы и музыканты. Они владеют актерским искусством, пластичны, изобретательны. Их выступления — всегда талантливо отрежиссированный спектакль. Многие из песен ансамбля облетели мир: «На дорогах жизни», «Как перелетные птицы», «История одного знакомства».
В 1968 и 1978 годах «Червоны гитары» с большим успехом гастролировали в Советском Союзе.
П. Лукьякченко

 

Скачать нотные сборники

Мастера зарубежной эстрады
выпуск 3
"Музыка", 1982г.
(pdf, 4.22 Мб)

Содержание:

 

Переложения выполнили:
2—5 — М. Аствацатуров, №№ 1—8 — О. Тычин.

 

Мастера зарубежной эстрады
выпуск 4
"Музыка", 1983г.
(pdf, 4.69 Мб)

Содержание:

 

Нет человека, который оказал бы на развитие французской песни, на ее музыку, тексты, манеру исполнения больше влияния, чем Эдит Пиаф. Наследница великих многовековых традиций народного французского искусства, она покорила сердца своих современников, ее голос и сейчас, спустя двадцать лет после ее смерти, продолжает очаровывать, волновать, заставлять плакать и смеяться миллионы люден во всем мире. Сотни тысяч французов провожали Эдит Пиаф в последний путь — и сегодня ее скромная могила на знаменитом парижском кладбище Пер-Лашез так же усыпана гветами, как и в тот октябрьский день 1963 года. Эдит Гассион родилась 19 декабря 1915 года, в Париже. Детство она провела — официально — с бабушкой, а фактически—на парижских улицах. В раннем возрасте она ослепла на несколько лет, а прозрев, стала сопровождать отца — бродячего циркового артиста — в поездка по ярмаркам. Впервые Эдит пробует свои силы как самостоятельная певица в 17 лет. Ее сцена—улицы Парижа. Ее публика — прохожие, посетители кабачков, ярмарочная толпа.
Именно во время одного из таких уличных выступлений Эдит ее услышал Луи Лепле, директор парижского кабаре «Жерни». Он начинает заниматься с Эдит, заставляет много работать и показывает ее знаменитому певцу Морису Шевалье и поэту Раймону Ассо. С их рекомендациями Эдит стала известна в музыкальных кругах (к тому времени она, уже получила прозвище «Пиаф» — «воробышек»). Голос Эдит Пиаф потряс парижскую публику. Сильный, хрипловатый, жесткий голос не имел ничего общего с обволакивающей сентиментальностью, бывшей тогда в моде. Эдит Пиаф пела о любви, смерти, одиночестве, счастье, нищете, веселье, — о том, что довелось ей пережить за ее неполные двадцать пять лет. В свое первое выступление, как бы понимая, что от этого во многом зависит ее дальнейшая судьба,, вложила все, что знала о жизни, о мире, бывших к ней столь часто неласковыми.

Во время Второй мировой войны Эдит Пиаф выступала мало. Но один ее концерт многие французы запомнили надолго. Ей было предложено выступить в лагере для французских военнопленных. Певица согласилась и после концерта попросила разрешения сфотографироваться на память с заключенными. Позже эта фотография была передана певицей в. Сопротивление. В подпольных лабораториях снимок был увеличен, и те, кому удавалось' бежать из фашистского плена, получали фальшивые документы с фотографией, вырезанной из общего снимка, сделанного по просьбе Пиаф. Настоящая слава пришла к ней после окончания войны. Она снималась в кино, играла в театре (ее друг и поклонник ее таланта поэт и драматург Жан Кокто специально для нее написал пьесу «Равнодушный красавец»). По свидетельству историка французской песни Ги Эрисмана, знаменитый актер Шарль Дюллен однажды сказал ей: «Мадам, со времени Сары Бернар ни у кого на. сцене не было столь прекрасных жестов и поз, как у вас. Я попрошу всех студентов моего курса пойти и посмотреть на вас». Но подлинным призванием Пиаф оставалась песня. Огромными для того времени тиражами расходились пластинки с записями таких песен, как «Милорд», «Нет, я ни о чем не жалею», «Бродяга», «Незнакомый город», «Заигранная пластинка», и десятки других.
Эдит Пиаф стала олицетворением французской песни послевоенного времени и пятидесятых годов. Для всего мира она стала и олицетворением Парижа. Ее смерть для миллионов людей стала личной трагедией. Жан Кокто, переживший певицу всего на несколько часов, написал: «Эдит Пиаф, подобно невидимому соловью, теперь сама станет невидимой. Нам останется от нее только взгляд, ее бледные руки, этот восковой лоб, собирающий лучи рампы, и голос. Голос, который заполняет все вокруг и летит все выше и выше, постепенно оттесняя певицу, увеличиваясь затем подобно тому, как росла ее тень на стене, и, наконец, величаво воцаряясь на месте, где стояла маленькая, скромная, робкая девушка. Душа улицы проникает во все поры города. Это уже поет «е мадам Пиаф, а моросит дождь, жалуется ветер, и лунный свет стелет свою салфетку на мостовой.»

Известнейшего итальянского певца, композитора, киноактера Адриано Челентано журналисты называют обычно «Парень с улицы Глюк» — по названию одной из его автобиографических песен. И действительно, Челентано родился 6 января 1938 года в Милане именно на улице Глюк. Его родители" переехали в этот крупный промышленный город незадолго до его рождения в поисках работы из голодной Южной Апулни. На севере Милана в рабочих кварталах и проходило детство Челентано. В то время по Италии прокатилась волна увлечений рок-н-роллом. «Королям» рок-н-ролла подражали сотни исполнителей. Надо отдать должное вкусу Адриано — в качестве своих кумиров он выбирает двух певцов, про которых смело можно сказать, что они прошли проверку временем,—Элвиса Пресли и Джерри Льюиса. Он поет песенки из их репертуара, подыгрывая себе на нехитрой гитаре перед началом кино¬сеансов, в небольших кабачках. В конце 1954 года Челентано начинает сочинять свои собственные песни. В начале следующего года его приятель Микеле Дель Прете приносит ему свои стихи, чтобы Адриано положил их на музыку. Так родилось творческое содружество композитора и поэта, продолжавшееся много лет. В 1956 году в курортном городке Анкона, на побережье Адриатического моря проходит большой фестиваль рок-н-ролла, на который приглашают очень многих певцов — в том числе и Челентано. Адриано занял на нем первое место. Его победа привлекла к нему внимание импресарио Бруно Доссена, который предложил певцу бросить школу радиотехники, куда тот незадолго до этого поступил, и принять участие в нескольких спектаклях, проходивших под «присмотром» Доссена. Адриано решается на этот шаг — и потом уже никогда об этом не жалеет. Несколько летних вечеров 1957 года Миланский дворец спорта был заполнен до отказа — проходил Первый общеитальянский конкурс рок-н-ролла. На эстраду выходили десятки исполнителей, которые пели песни признанных «кумиров», кое-кто осмеливался представить на суд жюри и слушателей песни собственного сочинения. Среди них был и Адриано Челентано. Его песня «Я скажу тебе чао» стала, по единодушному мнению всех присутствовавших, подлинным украшением конкурса. Всё вместе — и выигрышная песня, н прекрасное исполнение, и свободная манера держаться на сцене, — все это принесло Челентано победу. В том же году он получает предложение записать первую пластинку. Правда, записать предложили не «Я скажу тебе чао», а «что-нибудь на английском». Так все-таки привычнее. Пластинка отнюдь не стала бестселлером — с трудом расходится полторы тысячи экземпляров, но успех на конкурсе привел к тому, что Челентано все чаще выступает с собственными песнями, и даже на знаменитый фестиваль в Сан-Ремо он приезжает с написанной им мелодией «Двадцать четыре тысячи поцелуев». Придирчивое жюри присудило ему лишь второе место, но мнение тысяч любителей эстрады было иным. Пластинка с «Поцелуями» расходится небывалыми тиражами, в конце 60-х годов песня признается одной из лучших песен десятилетня в Италии. В декабре 1961 года, после очередного успеха на фестивале в Сан-Ремо, Адриано организует собственную фирму по записи пластинок. Позже многие исполнители (вспомним «Битлз», «Роллинг стоунз») пошли по пути создания собственных компаний, чтобы не зависеть от продюсеров и веяний моды. Но в самом начале шестидесятых годов такой поступок был смел и необычен. Следующие годы — это период укрепления славы Челентано, завоевания им не только итальянской, но и европейской, а позже и мировой популярности. После победы в 1962 году на знаменитом конкурсе «Канцониссимо» с песней «Ты далеко от меня» Челентано отправляется в гастрольное турне по Франции (где он выступает в «Олимпии») и Испании. В последующие годы певца все больше привлекает общественно-политическая тематика, все чаще появляются в его репертуаре антивоенные, политические песни: «Кто не работает, тот не любит», «Пиноккио» (из альбома «Беды нашего века», который целиком посвящен проблемам современного мира, сегоднявшней Италии). Активно работает Челентано в кино. Мы помним его в фильме «Серафнно»; в 1975 году на Московском международном
кинофестивале демонстрировалась его лента «Юппи-Ду» — странный, необычный мюзикл с отличными песнями. Недавно по нашим экранам с успехом прошел фильм «Блеф». Не прекращается и выпуск пластинок, концертные выступления. Ни у кого уже нет сомнений — Челентано самый популярный певец Италии. Последние пластинки — такие, как «ТЕКАдиск», «Дискотанец», «Вариации», «Безумный Джеппо», «Одинокие», «Немного артист, немного нет» подтверждают это.
А. Гаврилов

Обработка инструментального сопровождения: № 2 — В. Алексеев
№№ 7—12 — В. Шибаев

 

Мастера зарубежной эстрады
выпуск 5
произведения для электрогитары
"Музыка", 1983г.
(pdf, 4.44 Мб)

Содержание:

 

Нико РОХАС (Хосе Антонио Рохас) — популярный кубинский гитарист — родился в 1921 году в Гаване. В семье, где рос Хосе часто звучала народная музыка. Когда мальчику исполнилось 15 лет, родители подарили ему гитару. С этого времени начинаются регулярные занятия будущего музыканта. Окончив в 40-е годы Гаванский университет, Н. Рохас уезжает работать в провинцию Матансас. В этом небольшом кубинском городе он проектирует и строит дороги, а все свободное время посвящает музыке. Вечерами любит слушать песни крестьян, под впечатлением народных мелодий пишет свои первые произведения для гитары. Н. Рохас много выступает, играет на ритм-гитаре в городском оркестре. Не получив специального музыкального образования, но понимая всю его необходимость, он настойчиво оттачивает свое мастерство, берет уроки у известных кубинских музыкантов. В 60-е годы гитарист записывает первую грампластинку, в которой представлен как солист и аккомпаниатор. Впоследствии вышли диски также и с его сочинениями.
Большую популярность Н. Рохасу принесло участие в традиционных музыкальных фестивалях, проводимых во Дворце изящных искусств (Гавана).
Многие знаменитые кубинские музыканты дают высокую оценку его творчеству, в котором органически соединились элементы народной и классической музыки.

Владимир ТОМЕК — чехословацкий гитарист и композитор, родился 5 января 1928 года в Праге. С детства гитара привлекала его внимание. Путь к эстраде будущего музыканта был необычен: после окончания школы он поступает в техническое училище, которое заканчивает по специальности точная механика. Мечтая стать профессиональным музыкантом, он все свободное время посвящает занятиям на любимом инструменте; берет уроки по классу классической гитары у профессора А. Садлика. Но больше молодого музыканта привлекает джазовая гитара. Свой творческий путь Владимир Томек начинает в 1945 году в оркестре под управлением К. Влаха. С этим коллективом он совершает концертное турне по городам Чехословакии, а в 1959 году приезжает на гастроли в Советский Союз..
Новый этап в артистической деятельности музыканта связан с участием в ансамбле «Джазовая студия». Здесь гитарист показал себя как незаурядный солист и ансамблист. В составе группы В. Томек выступал в концертных залах Берлина, Варшавы, Лондона и Парижа. С середины 60-х годов В. Томек играет в оркестре Чехословацкого
радио. К этому периоду и относятся его первые сочинения для джазовой гитары. Музыкант много н плодотворно работает в студиях радио, осуществляя интересные записи с оркестром и в дуэте с гитаристом Р. Дашеком. Чехословацкое музыкальное издательство «Пантон» выпустило в свет авторский альбом для джаз-гитары. Несколько произведений из этого сборника вошли в настоящее издание.

Уэс МОНТГОМЕРИ — один из известных джазовых гитаристов послевоенного времени. Уэс (Джон Лесли) Монтгомери родился в марте 1925 года в американском городе Индианаполисе (штат Индиана). В юности большое влияние на творческую судьбу Уэса Монтгомери оказали выдающиеся американские музыканты Б. Гудмен, Ч. Паркер и Ч. Крисчен. Девятнадцатилетний юноша смело и увлеченно вступает в мир большого искусства. Трудолюбие и талант скоро принесли Уэсу Монтгомери первые успехи. Технику исполнения на гитаре музыкант доводит до совершенства, и самые сложные пассажи у него звучат легко и непринужденно.
В свой репертуар гитарист включает, пьесы известных джазовых композиторов, а также собственные сочинения, в которых удачно сочетаются негритянский фольклор и современные мелодии и ритмы. Уэса Монтгомери приглашают в джаз-оркестры и ансамбли, с которыми он гастролирует по городам Америки. Первый диск с записями музыканта вышел в 1959 году и принес ему успех и известность. Его выступления вызывают бурный восторг слушателей и похвальные отзывы прессы.
Музыкальные критики считают Уэса одним из ярких джазовых гитаристов. Широкую популярность завоевал артист, участвуя в музыкальных фестивалях в Ньюпорте (1965 г.), а также в Беркли (1968 г.). Жизнь Уэса Монтгомери оборвалась в расцвете его артистической славы. Он умер в июне 1968 года. В нашей стране фирмой «Мелодия» были выпущены пластинки с записями Уэса Монтгомери.

Бадей ПАУЭЛЛ — один из известных джазовых гитаристов, родился 6 августа 1937 года в семье музыканта. На гитаре начал обучение с восьмилетнего возраста. Артистическая карьера юного музыканта началась рано — с 13 лет участвует в концертах, аккомпанируя известным певцам.
Традиции народной музыки Бразилии с ее острыми ритмами и яркими, зажигательными мелодиями оказали большое влияние на становление н творчество молодого музыканта.
Как и многие бразильские музыканты Б. Пауэлл испытал влияние стиля «босса-новы», чьи интонации вместе с народными нашли отклик в его произведениях. Многие пьесы композитора навеяны стихами В. Мораиса — одного из любимых поэтов Б. Пауэлла. В 50-е годы Б. Пауэлл организует инструментальное трио, с которым успешно выступает в городах Латинской Америки. С этим ансамблем были сделаны первые записи, вышла первая пластинка, которая принесла гитаристу большую известность. Сегодня диски с записями Б. Пауэлла широко популярны во многих странах мира.

 

Переложение Ш6 1—3, 12—16 — В. Бранда;
Исполнительская редакция 4—11 — А. Кузнецова

 

Скачать ноты
Мастера зарубежной эстрады
Анна Герман
выпуск 6
составитель В.С. Судовых
"Музыка", 1984г.
(pdf, 5.01 Мб)

Содержание:

 

Перед вами песни из репертуара выдающейся польской певицы Анны Герман. Песня советские, спетые ею в разные годы, многие из которых нам хорошо известны и любимы. Так уж сложилась жизнь Анны Герман, что ее судьба тесно связана с нашей страной, с нашим искусством.
Ее детские годы прошли в узбекском городе Ургенчи, трудные годы, опаленные Великой Отечественной войной. Здесь она на деле узнала, что такое великое интернациональное братство советских людей, делившихся с ней и ее мамой после дни м. Отсюда он а проводил а на войну отчима, сражавшегося в 1-й дивизии Войска Польского и отдавшего жизнь за «нашу и вашу свободу», здесь на русском языке она спела свои первые детские песни... Однако желание стать профессиональной певицей окончательно сформировалось у Анны в. студенческие годы, когда она с успехом выступала на сцене самодеятельного театра «Каламбур». В это время (это было начало 60-х годов) она училась на геологическом факультете Вроцлавского университета. Забегая на несколько лет вперед, скажу — когда мы с Н. Добронравовым спросили, почему вдруг Анна решила исполнить нашу песню «Надежда», она, чуть-чуть помолчав, ответила: «Песня напоминает мне о моих друзьях-геологах». Душа ее была открытая, добрая, незащищенная, романтическая, светлая. Всё это так четко выкристаллизовалось в ее голосе, в ее песнях. Советские любители музыки знают, сколь тяжела, драматична была судьба певицы. После блестящего дебюта — глубоко талантливого исполнения польской песни «Танцующие Эвридики», принесшего ей славу и признание во многих странах мира, — случилось непредвиденное. Тяжелая автомобильная катастрофа по дороге из Рима в Сорренто, катастрофа, навсегда вычеркнувшая из ее жизни три обещавших быть удачными года. Три года Анна боролась не только за свою жизнь, но и за свое возвращение на эстраду. И в эти.тяжелые для польской певицы недели и месяцы она получала огромное количество писем из нашей страны — теплых, идущих от самого сердца, оптимистических, наполненных глубокой верой в то, что она обязательно вновь выйдет на сцену...
В то время редактор студии грамзаписи «Мелодия» А. Н. Качалина послала ей клавир
нашей песни «Надежда», которая оказалась удивительно созвучной не только творческой манере певицы, но и ее видению мира, ее эмоциональному состоянию, ее настроению и переживаниям.

В чем причина успеха польской певицы? В высоком профессионализме? Безусловно.
В самобытности? Конечно. В постоянном поиске? Очевидно.
И еще в ее женственности, чистоте чувств и помыслов, в подкупающей непосредственности и благородстве. Как грустно и в то же время оптимистично, насыщенно исполняла Анна Герман прекрасную песню Е. Птичкина и Р. Рождественского «Эхо любви». В ней и боль разлуки, и верность, и вера в любовь, в земное человеческое счастье. Всё, что так удивительно близко душе и идеалам певицы. В Польше Анну Герман называли «послом советской песни», и она очень гордилась этим званием.
Огромен ее вклад в пропаганду советской песни в братской социалистической стране. Она была одним из организаторов самого массового в ПНР музыкального праздника — фестиваля советской песни в Зеленой Гуре, ее труд отмечен высокими польскими правительственными наградами.

Анна очень любила нашу страну, здесь вышла ее первая пластинка, здесь состоялись ее первые зарубежные гастроли, здесь у нее было множество верных и испытанных друзей, здесь с радостью ждали и пели ее песни. Вероятно, многие видели телевизионный фильм, посвященный памяти певицы, — о разных гранях ее дарования говорили документальные кадры.
Они рассказали о ее творческом пути, о том, как любила она нашу страну и как ее у нас любили. До последних минут жизни Анна Герман продолжала работать
над песнями. Из Москвы ей присылали клавиры новых произведений, написанных специально для нее.
Увы, тяжелый неизлечимый недуг не позволил воплотить в жизнь многое из задуманного, многое осталось неспетым... Но то, что она сделала и для советской и для польской песни, поистине бесценно. Ее искусство оставило глубокий след в памяти поколений, а жизнь ее стала примером беззаветного и бескорыстного служения искусству.
А. Пахмутова

 

 

Зарубежная эстрада - ноты

Мастера зарубежной эстрады
выпуск 8
для голоса в сопровождении фортепиано (баяна, гитары)
"Музыка", 1986г.
(pdf, 3.72 Мб)

Содержание:

 

«Три минуты театра для всех» — так называют сегодня ту французскую песню, которую в самой Франции именуют просто «песней» — шансон. Но шансон — это не любая песня, тем более —на эстраде, это специфически французский сплав подлинно высокой поэзии, выразительного напева и самого демократичного театра. Именно французским артистам суждено было утвердить на эстраде тот жанр, который впоследствии был назван «театром песни». Ведь уже в кафе-концерте начала века песню не только (а порой и — не столько) пели, сколько — играли; исполнитель и слушатели стали максимально приближены друг к другу —как в буквальном, так и в переноском смысле слова: певцу уже не обязательно иметь от природы сильный «вокально поставленный» голос, а слушателю — ощущать себя отделенным от сцены рампой. Песня, прочтенная как «сюжет для небольшого рассказа», поставленная как драма со своими событиями, характерами, мизансценами оказалась словно специально созданной для современных средств массовой коммуникации — грамзаписи, радио, кино, телевидения, микрофонизированного зала. Именно поэтому шансонье не может не быть актером; не случайно многие из них и в самом деле выступают на театральной сцене и снимаются в кино, нередко исполняя роли чисто драматические (Жак Брель, Шарль Азнавур). Вместе с фигурой певца-актера, как бы материализующего в процессе исполнения поэтический сюжет песни, на первый план выдвигается и поэзия — не случайно произошло это в стране традиционно высокой поэтической культуры —во Франции. И поэты начинают сами выходить на сцену. Так рождается современное искусство шансонье — авторов-исполнителей песен -стихов. И ценится это искусство сегодня потому, что в век стандартов и массовых тиражей исключительную значимость приобретает неповторимость человеческой индивидуальности, личность художника. Шансонье на сцене представляет только сам себя — даже если и не является автором песни.
Далеко не каждая французская песня — это шансон. Для блестящего музыканта Мишеля Леграна, например (и это особенно заметно в его собственном исполнении), песня — в первую очередь мелодия, а пение — составная часть общего музыкального целого. В общем, французская музыкальная эстрада сегодня — явление многообразное, и в настоящем сборнике она представлена самыми разными своими гранями.

Эдит Пиаф (1915—1963 гг.). Эту артистку — бесспорно первую среди равных — у нас знают хорошо. Творческое наследие Пиаф нисколько не стареет, достаточно сказать, что в 1967 году, т. е. через 5 лет после смерти артистки, было продано рекордное число ее пластинок — не только во Франции, но и за рубежом. Пиаф — певица одной темы, и в общем-то одного образа — всепоглощающей, трагической любви, приносящей лишь страдания — ревность, расставания. В наши дни, когда западная «индустрия развлечений» не брезгует и классикой, «облегчаемой» любыми способами, с особой остротой ощущается подлинность «театра песни» Пиаф, — театра, в котором разыгрывались драмы, поднимавшиеся до - высот классической трагедии. Э. Пиаф оказала большое влияние на последующие поколения французских шансонье.
Еще ноты Э.Пиаф

Шарль Азнавур (р. в 1924 г.) придерживается «курса Пиаф». Умело соизмеряя свои авторские замыслы с собственными скромными вокальными возможностями, Азнавур предпочитает более камерную манеру исполнения, однако компенсирует это точным актерским, можно даже сказать, пластическим решением каждого номера своей программы. Со стороны может показаться, что Азнавур любой ценой стремится идти в ногу со временем (в 50-е годы он прибегал к синкопам явно джазового происхождения, в 60-е — писал для исполнителя рок-н-ролла Джонни Холидея, в 70-е — пел под аккомпанемент в стиле «диско). Однако его лирический герой, по сути дела, немного старомоден — слегка сентиментален, простодушно романтичен. Артист как бы сам удивляется тому, что сохранил способность удивляться, и ему даже как-то не по себе от этого в каш век скоростей и деловитости.


Жак Брель (1929—1978 гг.) — вне всякого сомнения, настоящий поэт; мастера поэтической техники отличает сгущенный образный строй, нравственный максимализм, полное неприятие мещанства, буржуа, клерикализма. Брель ничего не делал наполовину, его творческая судьба — это как бы постоянная смена одной крайности — другой: так, если сначала он вообще не двигался на сцене, то потом стал использовать свою актерскую пластику; решив оставить эстраду, он ушел из музыки навсегда (и стал блестящим актером). Владея неплохим оперным баритоном, он пользовался им только в целях создания юмористического, пародийного эффекта (например, в постановке мюзикла «Человек из Ламанчи»), видимо, полагая, что
оперный голос противоречит традициям жанра. Безупречное в стилистическом отношении соединение глубоко личностного начала с высоким профессионализмом придавало исполнению Бреля такую убедительность, что его не могли не ценить даже те, кто не знал французского языка. И, кстати, еще один парадокс. Чуть ли не единственный пример адекватного перевода французской песни на английский язык — это англоязычная версия песни Бреля «Не покидай меня», сделанная американским «шансонье» Родом Мак-Кюэном (которого советская аудитория помнит как автора-исполнителя песни из советско-американского телефильма «Великая отечественная»). Перевод этот обычно публикуется вместе с оригиналом. Из таких парадоксов и состоит все творчество Жака Бреля...
Серж Лама (р. в 1943 г.). Дебютировал еще в начале 60-х годов. Первый значительный успех пришел к нему лишь после того, как ушел с эстрады Жак Брель. Одно время казалось, что Лама его имитирует, но уже после смерти Бреля, с выходом долгоиграющей пластинки «Лама поет Бреля» стало ясно, что молодой певец не претендует на лавры своего старшего коллеги. Персонажам, создаваемым Лама, не свойственны ни сомнения, ни внутренняя борьба; все они — как правило, вполне уверенные в себе, невозмутимые «искатели приключений», вернее, воображающие себя таковыми самые
обыкновенные парни. В его песнях (он пишет только тексты) появились откровенно "лирические ноты, их включает в свой репертуар иногда выступающая и как певица актриса Анни Жирардо...

Рено Сешан (р. в 1952 г.) известен просто как Рено, без фамилии. Как артист он родился в период расцвета рок-музыки, в то время, когда молодежь пыталась противопоставить буржуазному обществу свою «контркультуру». На парижских баррикадах в мае 1968 года в период наиболее активных студенческих волнений Рено, сбежавший из лицея, решает стать Гаврошем — «певцом дворовых мальчишек из пригорода». Его песенки уже тогда выявляли незаурядное дарование. Тема рабочей окраины всегда была одной из основных в творчестве Сешана. Но сегодня все чаще в его песнях говорится о доверии и добре, о будущем человечества, о необходимости отстаивать мир. Сешан начал участвовать в движении сторонников мира, за сохранение окружающей среды. О себе Рено Сешан говорит: «Задача артиста будоражить своим творчеством умы людей, заставлять их задуматься. Кроме того, артист все время в фокусе всеобщего внимания. Вот почему особенно высока его ответственность».
В настоящее время Рено — один из любимых певцов французской молодежи.

Именно Жоржу Брассенсу (1921— 1981 гг.) удалось воскресить традицию народных поэтов — бардов и менестрелей, казалось, угасшую три столетия назад. Пожалуй, определение «народный поэт» и в самом деле как нельзя лучше подходит к Брассенсу — вряд ли найдется француз, который не вспомнит «Песню овернца» или «Дурную репутацию». Быть может, его знают и помнят именно благодаря тому, что и к острым народным куплетам и к изысканной звукописи Верлена Брассенс мог подобрать одну и ту же (не обязательно даже свою собственную) мелодию, и самое удивительное, что у него все это выходило совершенно естественно. Хотя сам Брассенс пел свои песни как бы для самого себя — так, как читают свои стихи поэты, не претендующие на амплуа актеров,
ритмически акцентируя каждую сильную долю стиха и мелодии, — несправедливо считать его музыку невыразительной. Во всяком случае во Франции известны
и инструментальные обработки его мелодий.
Умение во всем увидеть светлую сторону и спеть об этом в приподнято-романтических тонах — вот отличительные черты Мирей Матье (р. в 1947 г.), артистки,
высокопрофессиональной во всем, что она делает.

К Джо Дассену (1938—1980 гг.) слава пришла, когда ему было уже за тридцать; умер певец в расцвете таланта. Но и за сравнительно короткий срок он сумел найти свое место на французской сцене, свое амплуа, и в этом амплуа его успели полюбить не только во Франции, но и за ее пределами. Одна из самых известных песен Дассена была о том «островке тихой радости», которого так не хватает людям в эпоху «стрессов и страстей». В свое время Джо Дассен был в нашей стране бесспорно самым популярным из всех французских артистов эстрады.

Во всем, что делает композитор, пианист, певец Мишель Легран (р. в 1932 г.), всегда слышен, в первую очередь, музыкант с большой буквы: не перестаешь восхищаться тем, как безупречно вписываются его изящные мелодии в контекст киномузыки; в его партитурах для кино явно проступает дарование композитора. В 1957 году сын руководителя известного тогда эстрадного оркестра Раймона Леграна — Мишель выступал в Москве как участник VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов. Почти через 30 лет всемирно признанный «мэтр» Легран был почетным гостем уже на XII молодежном форуме и охотно принял приглашение выступить в концерте советской группы Стаса Намина, спел дуэтом с певицей Л. Сенчиной свою бессмертную мелодию — лейтмотив из кинофильма «Шербурские зонтики» и показал новую работу — песню на стихи своего постоянного соавтора — поэта Жана Дрежака об узбекском городе юности — Навои. Мишель Легран тогда спросил у слушателей, был ли кто-нибудь из них на его концертах в 1957 году. Таких оказалось всего двое, но вся
молодежная интернациональная аудитория восторженно принимала почетного гостя фестиваля, композитора из Франции — ведь, быть может, именно в свойственной юности полноте ощущения жизни, открытия мира и заключается секрет всемирного признания современной французской песни, искусства шансонье.
Д. Ухов

Составитель С. Михайлова. Переложения М. Чувилкина

 

 

Скачать ноты Скачать ноты -
все выпуски (zip 29 Мб)