Альбом классического вальса

КРАТКИЕ СВЕДЕНИЯ О КОМПОЗИТОРАХ

Вальсы ноты для фортепиано



Библиотека пианиста любителя
Нотные сборники для фортепиано

 

 

ЗАРУБЕЖНЫЕ КОМПОЗИТОРЫ

 

 

Ференц ЛИСТ (1811—1886) — великий венгерский композитор, пианист, дирижер, педагог, музыкальный писатель и музыкальный деятель. Для его произведений характерны конкретно-сюжетная программность, стремление к философским обобщениям, значительное расширение и развитие средств музыкальной выразительности — мелодии, гармонии, инструментовки. Величайший пианист, Лист утвердил новый симфонизированный пианистический стиль, применил в своих фортепианных пьесах и транскрипциях новые принципы фактурного изложения.
Живя вдали от Венгрии, композитор был неразрывно с ней связан, много раз посещал и оставался верным сыном своего народа. Свидетельством этому служат его произведения, воплощающие образы и картины Венгрии: 19 венгерских рапсодий, «Венгерская фантазия» для фортепиано с оркестром, симфоническая поэма «Венгрия», «Гранская месса», цикл фортепианных пьес «Венгерские портреты», где даны музыкальные характеристики выдающихся деятелей Венгрии (великого классика венгерской поэзии Ш.Петефи и др.). В ряде других произведений Листа также нельзя не услышать интонационных оборотов венгерской народной песенности (симфонические поэмы «Тассо» и «Мазепа», отдельные пьесы из «Годов странствий» и др.).
Все сочинения Листа трудно перечислить, их около 700. Большинство создано на конкретные литературные сюжеты, в том числе симфония «Фауст» (по Гёте, 1857), симфония к «Божественной комедии» Данте (1856), 13 симфонических поэм («Орфей» — 1854, «Прометей»— 1855, «Гамлет» — 1858 и др.), «Мефисто-вальс» (эпизод из «Фауста» Н. Ленау, 1860), продолжающий линию поэтизации вальса, к началу которой можно отнести «Приглашение к танцу» Вебера (1819).

Джузеппе ВЕРДИ (1813—1901) — великий итальянский композитор, классик итальянского оперного искусства. Исключительная популярность его творчества объясняется глубокой народностью, органической н неразрывной связью с национальной демократической культурой Италии, жизненной правдивостью и высоким гуманизмом. Яркая театральность, сценический темперамент, острота характеристик, мастерство ансамбля, мелодическая щедрость, сочность и выразительность вокальных партий — таковы черты стиля Верди, величайшего оперного композитора и музыкального драматурга. Популярность его творчества объясняется также и тем, что оно своеобразно отразило передовое общественное движение итальянского народа.
Композитор автор 26 опер, среди которых «Риголетто» (1851), «Травиата» (1853), «Аида» (1871), «Отелло» (1887), «Фальстаф» (1893); вокально-симфонических произведений — «Труба звучит» (революционный гимн, 1848), «Гимн наций» (кантата, 1862), реквием (памяти Мандзони, 1874), «Stabat Mater» (1898); струнного квартета (1873), вокальных ансамблей, романсов и др.
В музыке всех своих опер Верди широко использует народно-бытовые песенные и танцевальные жанры. В «Травиате» этот принцип проводится особенно полно и последовательно. Наиболее важная роль здесь отведена интонациям и ритмам вальса. Вальсовость в различных проявлениях пронизывает почти всю партитуру оперы. Очень чутко и гибко Верди меняет образно-эмоциональный смысл вальсовости в зависимости от данной конкретной драматической ситуации. То это бальная музыка (например светлый, проникновенный вальс из первого действия, как выражение зарождающегося чувства любви Альфреда и Виолетты), то музыка сумрачная, полная тревожного, напряженного ожидания (песня цыганок «Кто знать судьбу желает.» из второго действия). Таким образом, вальс в опере «Травиата» приобретает определенное психологическое значение, отражая душевное состояние главной героини оперы.

Шарль ГУНО (1818—1893) —выдающийся французский композитор, органист, дирижер и музыкальный писатель. Один из первых крупнейших представителей французской лирической оперы, исторически подготовивший в этом жанре достижения Бизе и последующих композиторов.
Гуно автор 12 опер (в том числе «Фауст»—1859, «Царица Савская»—1861, «Ромео и Джульетта»—1864). Среди его сочинений 2 симфонии, ряд кантат, романсы, пьесы для фортепиано, сочинения духовной музыки (4 мессы, 2 оратории — «Искупление», «Смерть и жизнь» и др.).
Сильные стороны французской лирической оперы — правдивость, теплота в изображении человеческих чувств и переживаний, демократизм музыкального языка, близкого к бытовым жанрам французской музыки (песня, романс, танец); недостатки же — в отсутствии широких художественных обобщений, определенном налете чувствительности. Однако положительные стороны, и прежде всего мастерство драматургии, делают выдающиеся произведения этого направления украшением оперного репертуара. К ним относятся «Фауст», «Ромео и Джульетта» Гуно, особенно опера «Фауст», сияющая лучшим алмазом в творческом наследии композитора.
В операх Гуно немалую роль играет танцевальная музыка, в частности, почти в каждой опере —вальс. Широко популярными и любимыми стали замечательные вальсы из «Фауста», «Ромео и Джульетты». В «Фаусте» жанр вальса органически присущ народным сценам из первого и второго действий, куплетам Зибеля, «арии с жемчугом». Лучшие сцены из «Ромео и Джульетты» также связаны с вальсом: ариетта Джульетты из первого действия, сцена знакомства Ромео и Джульетты из того же действия и др.
Правда жизни, поэтичность и обаятельная непосредственность музыкального языка, стройность и целеустремленность драматургии «Фауста», «Ромео и Джульетты» предопределили долгую сценическую жизнь этих опер.

Станислав МОНЮШКО (1819—1872) — выдающийся польский композитор, органист, дирижер, педагог и музыкально-общественный деятель. Основоположник польской классической оперы. В своем творчестве отразил думы и чаяния польского народа, его историю и быт.
Композитором создано 15 опер, среди них «Галька» (1847), «Сплавщик леса» (1858), «Страшный двор» (1865), «Парий» (1869). Любимым его детищем стала опера «Галька». Правдивость характеров и ситуаций, острый драматизм, свежесть и выразительность мелодии сделали ее необычайно жизнеспособной. Уже больше столетия «Галька» живет на сценах многих стран мира.
Классик польской вокальной лирики, Монюшко создал свыше 400 замечательных произведений — романсов, песен, дуэтов. Кроме того, он автор 5 оперетт, 3 балетов, 3 увертюр, 2 струнных квартетов, около 50 пьес для фортепиано и др.
Говоря о высоких художественных достоинствах фортепианных сочинений Монюшко, музыкальный критик Серов особенно отмечал его вальсы. Об одном из них он сказал, что «это как будто самим Шопеном написанная вещица» (Серов А. Н. Избр. статьи.— М.: Музгиз, 1957, т. 2, с. 546).

Бедржих СМЕТАНА (1824—1884) — выдающийся чешский композитор, пианист, дирижер и музыкально-общественный деятель. Основоположник чешской музыкальной классики. В условиях порабощенной австрийскими захватчиками Чехии боролся за развитие национальной культуры, за все прогрессивное и национально-самобытное.
Музыка Сметаны явилась драгоценным вкладом в сокровищницу мировой классики, завоевав признание во всех странах; Композитором написано множество замечательных произведений. Среди них 7 опер, посвященных в основном истории чешского народа, раскрытию лучших сторон национального характера: «Брандснбуржцы в Чехии» (1863), «Проданная невеста» (1866), «Далибор» (1870), «Либуше» (1872), «Две вдовы» (1874). Оперы «Поцелуй» (1876), «Тайна» (1878) и «Чертова стена» (1882) Сметана создал уже будучи глухим. К последнему десятилетию его жизни относится и величественный цикл из шести поэм «Моя родина» для симфонического оркестра.
Для фортепиано композитор писал преимущественно в ранние годы своего творчества. Его привлекали лирическая миниатюра, танцевальная музыка. Особенно увлеченно Сметана писал польки, обращаясь к этому жанру и в дальнейшем. Таким же мастерством, поэтической утонченностью, славянским колоритом отмечены и вальсы, хотя встречаются значительно реже среди сочинений композитора.

Иоганн ШТРАУС (1825—1899) — выдающийся австрийский композитор, скрипач и дирижер («король вальса»). Создал классические образцы венского вальса и венской «танцевальной» оперетты.
Приняв руководство оркестром после смерти своего отца (преемника Ланнера), Штраус продолжал неутомимую дирижерскую деятельность, сочиняя в то же время оркестровые танцевальные пьесы (около 500). Это многочисленные галопы, польки, кадрили и; главным образом, венские вальсы —«На прекрасном голубом Дунае», «Сказки венского леса», «Весенние голоса», «О прекрасный май» и др.
Во второй период своего творчества Штраус пишет оперетты, создав жанр «танцевальной» оперетты, целиком подвластный стихии танца, и в первую очередь венского вальса. Сюжет для композитора — только нить, на которую он нанизывает вальсы, польки, марши. Вот почему Штраус не предъявлял слишком высоких требований к своим либреттистам. К лучшим опереттам относится «Летучая мышь» (1874), до сих пор не сходящая со сцен музыкальных театров всего мира. Отдельные вальсы из оперетт Штрауса зазвучали как самостоятельные сочинения, приумножив славу «короля вальса»: «Розы юга», содержащий наиболее яркие мелодии оперетты «Кружевной платок королевы»; «Ты и ты» из «Летучей мыши» и др.
В начале XIX века вальс в Вене развивается как танец глубоко народный. Перенесенный затем из народной среды в бальные залы он стал изменяться: характерные скачкообразные движения превращаются в плавные, скользящие па. Мелодия вальса со временем все больше обогащается, приобретает индивидуальную окраску, становится вокальнее. Ее песенная природа приводит к изменениям не только формы, но и ритма; обогащается палитра оркестровых красок.

Уже в произведениях Ланнера и Штрауса-отца (30-е годы) выкристаллизовывается специфическая форма венского вальса, состоящего из последовательности пяти вальсов, обрамленных вступлением и заключением. Но каждый вальс не вытекал из предыдущего и не подготавливал последующего — венскому вальсу была присуща калейдоскопичность.
Первые вальсы Штрауса-сына напоминали вальсы отца периода расцвета его творчества: то же вступление, те же пять разнохарактерных вальсов, неожиданно сменяющих друг друга, тот же финал. Но в дальнейшем Штраус-сын вносит в венский вальс существенные изменения, стремится к созданию мелодии нового типа. Ее дыхание становится шире: однажды возникнув, мелодия логично развивается, живет полнокровной жизнью и естественно завершается, уступая место новой. Отсюда укрупнение (удвоение) формы входящих в цикл вальсов. Кроме того, Штраус стремится к более смелым тональным противопоставлениям между отдельными вальсами, что вносит большее разнообразие. Так венский вальс поднялся на новую ступень развития в творчестве Штрауса-сына. Сохраняя свою прикладную танцевальную основу, он вырос в самостоятельный музыкальный жанр. Если раньше вальсы господствовали в танцевальных залах, то теперь они все больше места занимают и на концертной эстраде, и в домашнем музицировании. Вальс становится танцевальной поэмой.
Не многим великим композиторам судьба принесла в дар признание и любовь современников. Известно мнение Шумана о двух вещах на земле очень трудных — во-первых, добиться славы, во-вторых, ее удержать. И что это удается только подлинным мастерам— от Бетховена до Штрауса, каждому в своем роде. Высоко отзывались о вальсах Штрауса Вагнер, Брамс, Григ и др. Горячими поклонниками его таланта были и русские композиторы — Чайковский, Рубинштейн, Лядов, Глазунов, Балакирев, Римский-Корсаков. Вдохновенно исполнял вальсы Штрауса молодой Рахманинов. Слушая «Весенние голоса», Лев Толстой «вскрикивал от восторга, ахал, слезы были у него на глазах» (Гольденвейзер А. Б. Вблизи Толстого. — М.: Гослитиздат, 1959, с. 322).

Иоганнес БРАМС(1833—1897) — выдающийся немецкий композитор, пианист и дирижер. В своем творчестве опирался на классические традиции немецкой музыки и достижения композиторов-романтиков. Мелодико-гармоническое и ритмическое разнообразие сочетаются в музыке Брамса с замечательным мастерством тематического развития, полифонической и вариационной разработки. Наряду с немецкой и австрийской народной музыкой он широко использовал славянские и венгерские народные мелодии.
Композитор создал выдающиеся произведения в области симфонической музыки: 4 симфонии (1876—1885), 2 концерта для фортепиано с оркестром (1859, 1881), концерт для скрипки с оркестром (1878), двойной концерт для скрипки и виолончели с оркестром (1887) и др.; камерно-ансамблевой музыки: 24 инструментальных ансамбля (в том числе 16 с фортепиано); фортепианной музыки: сонаты, вариации, рапсодии, баллады, интермеццо. (большой интерес представляют его венгерские танцы и вальсы для фортепиано в четыре руки, вариации для двух фортепиано); обогатил вокальную лирику — песни для голоса с фортепиано, вокальные квартеты и др.
К лучшим камерно-вокальным произведениям Брамса относится цикл «Вальсы — песни любви», написанный для фортепиано в четыре руки и вокального квартета ad libitum. Четырехручное исполнение, иногда с участием вокального ансамбля, было наиболее распространенным видом музицирования в семейном кругу. Как венгерские танцы, так и вальсы Брамса, продолжающие традиции шубертовских вальсов и непосредственно связанные с домашним музицированием,  завоевали затем широкую концертную эстраду.

Муцио КЛЕМЕНТИ (1752—1832) — известный итальянский композитор, пианист, педагог и дирижер. Был видным музыкальным издателем и владельцем фабрики клавишных инструментов.
Среди творческого наследия Клементи большой интерес представляют сонаты, близкие по стилю к моцартовским, и особенно этюды, сыгравшие немалую роль в развитии и формировании фортепианной техники и стиля многих композиторов первой половины XIX века. Его 60 фортепианных сонат и сонатин, сборник этюдов «Gradus ad Parnassum» («Путь к Парнасу») являются и поныне превосходным пособием при обучении игре на фортепиано.
Композитор создал также около 20 симфоний (из них сохранилось четыре), увертюры, 6 сонат для различных инструментов и фортепиано, вариации для фортепиано, вальсы, обработки русских песен и др.
Публикуемый вальс, написанный в светлых «акварельных» тонах, привлекает своей эмоциональной непосредственностью, свободой мелодического развития и ритмической пластикой.

Джоаккино Антонио РОССИНИ (1792—1868) — выдающийся итальянский композитор. Один из величайших мастеров вокального письма. Его творчество положило начало мощному расцвету итальянской оперы XIX века, привело к обновлению основных ее направлений и определило дальнейшие пути развития. «История. впишет славное имя Россини среди художников-творцов, образцовыми творениями которых отмечается эпоха, и только им дарует наименование „классических".» — предсказывал музыкальный критик А. Н. Серов.
В оперном искусстве Россини ярко выражены две линии — комическая и героико-патриотическая. Выросшая на народной основе, но переродившаяся со временем в поверхностно-развлекательное представление, опеpa-buffa у Россини наполняется реалистическими музыкальными образами, ее музыкально-комедийное развитие становится динамичным. Заложенное в onepe-seria героическое начало раскрывается в творчестве композитора также по-новому, что сыграло важную роль для дальнейшего расцвета этого жанра у Беллини и раннего Верди.
Имя Россици приобрело широкую известность в Италии уже после постановки его маленьких комических опер — «Счастливый обман» (1812), «Шелковая лестница» (1812), «Пробный камень» (1812), «Странный случай» (1812), «Синьор Брускино» (1813). Огромный успех принесли композитору поставленные в 1813 году в Венеции оперы «Танкред» (seria) и «Итальянка в Алжире» (buffa), открыв перед ним двери крупнейших театров Милана, Венеции, Рима. В этих операх, разных по жанрам, нашли отражение патриотические чувства итальянского народа после наполеоновских войн и в период борьбы за национальное воссоединение Италии.
Ярким выражением демократического искусства, шедевром западноевропейской классики стала комическая опера «Севильский цирюльник» (1816). написанная в рекордно короткий срок (около 20 дней). Ее музыка сверкает темпераментом и остроумием, отмечена неповторимыми чертами итальянской народной танцевальности и песенности, веселья и жизнеутверждающей энергии
Под влиянием французской оперной школы Россини перерабатывает свои оперы «Моисей в Египте» (1818; франц. ред. — «Моисей», 1827) и «Магомет II» (1820; франц. ред. — «Осада Коринфа», 1826), в которых добивается большего правдоподобия, естественности музыкальной речи (снимает излишнюю виртуозность), увеличивает роль массовых сцен, хора, ансамблей. Это вплотную привело его к созданию «Вильгельма Телля» на сюжет драмы Шиллера (1829)—последней оперы, явившейся высшим достижением и обобщением героико-патриотической линии в творчестве композитора.

Помимо опер Россини принадлежат увертюра (1808), вариации для кларнета С оркестром (1809), марши, 5 струнных квартетов, пьесы (в том числе фортепианные), «Stabat Mater» (1841), «Маленькая торжественная месса» (1863), кантаты, хоры, цикл романсов и дуэтов «Музыкальные вечера» (1835), гимны, песни и др.
Вальс, который представлен в издании, носит характер концертно-виртуозной пьесы. Он насыщен активным внутренним развитием, в мелодических оборотах, пленяющих восторженной искренностью, выявляется вокальное начало, идущее от интонационных особенностей итальянской народной песни (например такты 18—22).

Жак ОФФЕНБАХ (1819—1880) — выдающийся французский композитор и театральный дирижер. Один из основоположников французской классической оперетты, которого Россини назвал «Моцартом Елисейских полей».
Оффенбахом написано свыше 100 музыкально-театральных произведений: десятки оперетт, интермедии, фарсы, миниатюрные спектакли-обозрения. Во многих из них он откровенно изобличал язвы и пороки Второй империи, часто в остросатирической, пародийной форме. Успеху лучших произведений композитора немало способствовали одаренные либреттисты А. Мельяк и Л. Галеви, тексты которых отмечены тонким юмором и хорошим вкусом.
Выдающийся талант Оффенбаха выдвинул его в первые ряды мастеров легкого жанра. Французский городской фольклор — основной источник его мелодической и жизнеутверждающей музыки с острой, пикантной ритмикой.
В 1858 году в организованном Оффенбахом театре «Буфф-Паризьен» была поставлена его первая большая (трехактная) оперетта «Орфей в аду». Она принесла композитору успех, выдержав в тот период около 300 представлений. Всемирно известными стали и другие, оперетты Оффенбаха, созданные им на самые разнообразные сюжеты. Здесь и средневековье («Женевьева Брабантская», 1859), и античность («Прекрасная Елена», 1864), и образы популярных сказок («Синяя Борода», 1866), и бытие современников («Парижская жизнь», 1866), и перуанская экзотика («Перикола», 1868) и др. Все они прямо или иносказательно отражают нравы современного композитору буржуазного общества. В ряде произведений Оффенбаха, особенно последних лет, сильнее проявляется лирическая сфера, стирается грань между опереттой и комической оперой. И хотя они не уступают по своим художественным качествам предшествующим, но уже не пользуются прежней популярностью (вкусы публики к этому времени значительно изменились).

Лирическое дарование композитора получило свое завершение в романтической опере «Сказки Гофмана», где своеобразно переплелись бытовая драма с фантастикой. Основная ее тема — недостижимость идеала, призрачность земного существования. Это была лебединая песня Оффенбаха. После его смерти произведение завершил Э. Гиро. «Сказки Гофмана», в которых выражена живая непосредственность чувств, прочно вошли в мировой театральный репертуар. К лучшим номерам онеры относятся знаменитая баркарола, перешедшая из оперетты Оффенбаха «Рейнская Ундина» (1864), развернутый по форме вальс Олимпии, отличающийся красотой и изяществом мелодических очертаний, общей приподнятостью, торжественностью звучания.

Камилл СЕН-САНС(1835—1921) — выдающийся французский композитор, пианист, органист, дирижер, общественный деятель и музыкальный критик (выступал также и как поэт). «Во французской музыке он — нечто исключительное, явление вплоть до последнего времени почти единичное. В нем представлены великий классический дух, высокая энциклопедичное™ музыкальной культуры.» — высказывался о композиторе Р. Роллан.
Сен-Сансу принадлежит одно из центральных мест, в музыке «периода национального обновления», предшествовавшего во Франции рождению музыкального импрессионизма. Крупнейший деятель прогрессивного искусства, остроумный критик-полемист всю свою жизнь ратовал за развитие музыки на национальной основе в русле классических традиций, реализма. Предостерегая молодежь от ложных увлечений, он писал: «Если вы хотите быть чем-нибудь, оставайтесь французами! Будьте самими собой, принадлежите вашему времени и вашей стране.»
Великолепно владея техникой композиторского письма, Сен-Санс создал большое число произведений в разных жанрах (во многих чувствуется близость к музыкальному фольклору Франции и других стран). Лучшие из них отличаются пластичностью мелодий, изяществом гармонического языка (классически стройного и логичного), красочностью оркестрового колорита, безупречным чувством стиля и формы, тщательностью отделки деталей.
Уже после появления первой симфонии композитора Гуно отметил, что она возлагает на семнадцатилетнего автора обязательство стать великим мастером. Однако лучшей своей симфонией Сен-Санс считал третью («Симфония с органом», 1886), посвященную памяти Листа. Он говорил, что дал в ней максимум того, что мог дать.
Особенно плодотворно композитор работал в области концертно-виртуозной музыки, с большим мастерством используя возможности солирующих инструментов. Широко известны его концерты — второй фортепианный (1868), третий скрипичный (1880), первый виолончельный (1872), привлекающие мелодической свежестью, ритмикой. Очень популярна и поныне его «Интродукция и рондо-каприччиозо» для скрипки с оркестром (1870), исполняется концертная пьеса «Пляска смерти» (1874), изобретательно оркестрованная (с солирующей скрипкой). Одним из первых во французской музыке Сен-Санс начал сочинять программные симфонические поэмы, отмеченные красочностью, структурной-стройностью.
Композитор оставил свыше десяти произведений для музыкального театра. Лучшим из них является опера на библейский сюжет «Самсон и Далила» (1868), получившая мировую известность. Ее драматургическая вершина — большой дуэт Далилы и Самсона. Один из разделов этой развернутой сцены образует третья ария Далилы — «Открылася душа», очень ярко раскрывающая образ героини.
Кроме названных сочинений композитором написаны балет, кантаты, оратории, оркестровые сюиты, увертюры, камерно-инструментальные произведения, вокальные ансамбли, хоры, романсы, пьесы для фортепиано и др.
Канарский вальс (соч. 88) является одним из лучших концертно-виртуозных произведений Сен-Санса.
Искренность и естественность звучания, активная энергия тематического, фактурного и динамического развития придают вальсу (несмотря на некоторый налет салонности) масштабность, монументальность.

Лео ДЕЛИБ (1836—1891) — известный французский композитор и педагог; ученик Адана — автора знаменитого балета «Жизель». Демократические художественные устремления Делиба, его музыкальный язык, сформировавшийся в непосредственном общении с бытовыми жанрами городского фольклора, были близки Чайковскому, который считал Делиба самым талантливым после Бизе композитором.
Перу Делиба в основном принадлежат музыкально-театральные произведения (балеты, оперы, оперетты и др.). Для лучших из них характерны законченность формы,- естественность музыкального развития, свежесть, изящество и эмоциональная непосредственность.
Композитор открыл новые пути к реализму в хореографическом искусстве. Его имя стало известно широким музыкальным кругам после появления на сцене театра «Гранд-Опера» балета «Ручей» (1866), сочиненного им совместно с Л. Минкусом и Э. Дельдевезом. Но особой известностью пользовались балеты «Коппелия» (1870) по новелле «Песочный человек» Э.-Т.-А. Гофмана и «Сильвия, или Нимфа Дианы» (1876) на сюжет драматической пасторали Т. Тассо «Аминта» (1572); второй из них шел на советской сцене под названием «Фадетта». Отказавшись от обычной в те годы дивертисментной музыки, композитор стремился к музыкальной обрисовке характеров действующих лиц, насыщая партитуры балетов активным симфоническим развитием. Современники отмечали: «Он может гордиться тем, что первым развил драматическое начало в" танце и в этом превзошел всех своих соперников». Если в «Коппелии», соответственно сюжету, больше ощущается связь с жанрово-бытовыми элементами комической оперы (использование мелодики и ритмики французской, польской, венгерской музыки), то в «Сильвии» преобладает психологизм лирической оперы.
Из других произведений Делиба следует назвать оперы «Жан де Нивель» (1880), о которой Чайковский говорил, что она написана «светло, изящно, романтично в высшей степени», и «Лакме» (1883), впечатляющую правдивым раскрытием драмы героини, своеобразным восточным колоритом. Партия Лакме, простой любящей девушки, пронизана песенностью. Ярко раскрывается ее образ в так называемой «Арии с колокольчиками» (сцена и легенда из второго действия).
Вальсу как сценической танцевальной форме Делиб придавал большое значение в своих романтических балетах. Вошедший в издание вальс из балета «Коппелия» принадлежит к числу наиболее популярных; отличается яркой, легко запоминающейся мелодией и предельно скромной, очень органичной фактурой сопровождения.

Антонин ДВОРЖАК (1841—1904) — выдающийся чешский композитор, педагог и дирижер. Один из основоположников национальной музыкальной классики.
Творчество Дворжака — «простого чешского музыканта» (как он себя называл) — носит глубоко демократический характер. Подобно Сметане, он стремился отразить в произведениях освободительную борьбу народа, образы простых людей, их быт, картины родной природы, сказания любимой родины. Трудно определить, какому из музыкальных жанров композитор отдавал предпочтение — они едва ли не все представлены в его обширном наследии.
Претворяя в своем оперном искусстве реалистические традиции музыкального театра Сметаны, Дворжак создает народно-бытовые, историко-романтические и народно-сказочные оперы. К последним, более близким композитору, относится лучшая его опера — «Русалка» (1900), в которой сплелись воедино фантазия и лирика, бытовое и драматическое начала. Подзаголовок (лирическая сказка) точно определяет ее жанр.
Больших успехов Дворжак достиг в симфоническом и камерно-инструментальном творчестве. Широко известна его девятая, последняя симфония —«Из Нового света» (1893). В этом произведении переданы впечатления композитора от природы, поэзии и народной музыки США (главным образом негритянской и индейской) Богатство мелодий, острый драматизм, страстность, благородство музыкального выражения — таковы основные черты симфонии.
На весь мир прославили имя Дворжака его знаменитые «Славянские танцы» (1878—1886), отмеченные широтой симфонического дыхания (сначала были задуманы для фортепиано в четыре руки). В их танцевальных образах отразилась жизнь чешского народа, его быт, характер. Славянский колорит ощущается также и в лучшем из квартетов Дворжака — десятом (1879), и в «Думках» для фортепиано, скрипки и виолончели (1891), и во многих других сочинениях. Лучшим из своих концертов он считал виолончельный (1895). Замечательные песни и романсы композитора овеяны проникновенным лиризмом, в том числе вокальный цикл «Кипарисы» (1865), к образам которого Дворжак неоднократно возвращался.
Среди многочисленных фортепианных произведений композитора публикуемый вальс (соч. 54 № 1) впечатляет мягким лиризмом, таинственной нежностью колорита (звучание несколько приглушенное), умиротворенностью.

Эдвард ГРИГ (1843—1907)—великий норвежский композитор, пианист, дирижер и музыкально-общественный деятель. Будучи убежденным демократом, он превыше всего ставил интересы родного народа. В своих произведениях стремился к реалистическому и художественному совершенству, следуя высоким идеалам классического искусства. Значение Грига исключительно велико в истории не только норвежской и скандинавской, но и всей мировой музыкальной культуры. «В его музыке, проникнутой чарующей меланхолией, отражающей в себе красоты норвежской природы, то величественно-широкой и грандиозной, то серенькой, скромной, убогой, но для души северянина всегда несказанно чарующей, есть что-то нам близкое, родное.» — так писал о композиторе Чайковский в своем «Автобиографическом описании путешествия за границу в 1888 году».
Глубоко самобытный музыкальный язык произведений Грига пронизан народными мелодическими оборотами и ритмами. В его творчестве преобладают камерно-инструментальные и вокальные жанры. Но в то же время композитором создано немало симфонических произведений. Среди них выделяются увертюра «Осенью» (1865)—тонкий «пейзаж настроения», «Симфонические танцы» (1898) на норвежские народные темы; сюита в старинном стиле «Из времен Хольберга» (1885)—музыкальный памятник писателю-просветителю XVIII века (известна также фортепианная редакция этой сюиты). Подлинные шедевры — две сюиты из музыки к драме Ибсена «Пер Гюнт» (1888, 1891), написанные с высокой простотой, столь свойственной выдающимся произведениям искусства. Песня Сольвейг, одно из самых поэтичных творений Грига, звучит как своеобразный лейтмотив родины во второй сюите. Композитор с необычайным художественным чутьем сумел передать в этом целомудренном мотиве, где слышатся отголоски народного норвежского напева, глубинную сущность образа Сольвейг —ее душевную чистоту и силу духа.
На протяжении всей своей жизни Григ писал романсы и песни. Исполненные поэзии, интонационно близкие народной песне (в большинстве своем на стихи норвежских и датских поэтов), они звучат как живые слова о Норвегии, ее природе и людях (циклы «Норвегия», «По скалам и фиордам», «Дитя гор» и др.).
Превосходный пианист, Григ создал одно из лучших своих сочинений — фортепианный концерт ля минор (1868), близкий к концертам Шопена и особенно Шумана. Известна также «Баллада в форме вариаций» (1875), написанная, по высказыванию композитора, «кровью сердца в дни горя и отчаяния» (в связи со смертью родителей).
Большое место в наследии Грига занимают фортепианные миниатюры. Своеобразным «музыкальным дневником» явились его десять тетрадей «Лирических пьес»
Принцип программности придает им художественную цельность. Два публикуемых вальса из этого цикла выделяются ярким своеобразием. Первому (соч. 38 № 7) свойственны округленность фраз, пластичность и изящество мелодики, ритмики, в основе которых элементы норвежского музыкального фольклора; неожиданные сопоставления— стремительному (pianissimo), «полетному» среднему разделу контрастируют умеренно быстрые крайние части.

Джакомо ПУЧЧИНИ (1858—1924) — выдающийся итальянский композитор, яркий представитель веризма (от итал. vero — истинный, правдивый) — направления, возникшего в итальянской литературе и искусстве в конце XIX века. Композиторы-веристы стремились показать жизнь без прикрас, «как она есть». Они избрали героями своих опер простых, «маленьких» людей, в повседневном быту которых искали материал преимущественно для житейских драм, основанных на острой любовной коллизии. Несмотря на яркие страницы их мелодически-выразительной музыки, созданию цельных образов во многом мешали натуралистические тенденции и склонность к мелодраматизму.
Пуччини — наиболее талантливый из итальянских композиторов веристского направления. Из 12 его опер самой большой популярностью во всем мире пользуются «Манон Леско» (1892), «Богема» (1895); «Тоска» (1900) и «Мадам Баттерфляй» («Чио-Чио-сан», 1904) В них нашли выражение лучшие черты творчества Пуччини: ярко эмоциональный, впечатляющий ариозно-мелодический стиль, острота и естественность сценического развития. Глубоко страдающие героини этих опер гибнут в бесплодной борьбе за свое счастье — наивная провинциалка Манон, бедная цветочница Мими, бесстрашная Тоска, трогательная. Чио-Чио-сан. Последующие оперы композитора — «Девушка с Запада» (1910) и «Ласточка» (1916) на сентиментальные любовные сюжеты, во многом уступали прежним шедеврам, хотя в их гармонических и оркестровых приемах уже ощущалось заметное воздействие произведений новых авторов (в частности оперы «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси). После долгих поисков оперных сюжетов Пуччини вновь испытывает в последнее пятилетие своей жизни творческий подъем. Большой успех в -1919 году имели его три разнохарактерные одноактные оперы — «Плащ», «Сестра Анджелика» и сатирическая комедия «Джанни Скикки». Последней стала опера-сказка «Турандот» (по пьесе К. Гоцци), прозвучавшая как гимн жизни и всепобеждающей любви (завершена Ф. Альфано, поставлена в 1926 году).
Вальс Мюзетты из оперы «Богема» — один из наиболее ярких в творчестве Пуччини. Словно пронизанный ослепительными лучами света, он необычайно выразительно передает состояние взволнованной приподнятости, окрыленности.

Клод Ашиль ДЕБЮССИ (1862—1918) — выдающийся французский композитор, пианист, дирижер и музыкальный критик. Явившись основоположником импрессионизма в музыке (от франц. impression — впечатление), открыл дорогу новому звуковому мышлению.
Творческое наследие Дебюсси — неоценимый вклад в сокровищницу французской и мировой музыкальной культуры. Им написано около 170 произведений, отмеченных тонкой поэтичностью, изяществом стиля, яркой звуковой изобразительностью, красочностью гармоний и инструментовки.
Поиски новых звукосочетаний уже ощутимы в фортепианных пьесах композитора «Арабески», «Бергамасская сюита» и в романсах «Забытые ариетты», «Пять поэм Бодлера». Одним из важнейших его сочинений по праву считается музыкальная драма (по пьесе бельгийского драматурга-символиста М. Метерлинка) «Пеллеас и Мелизанда» — почти 10 лет напряженного труда (поставлена в Париже, 1902). «Я не намерен подражать тому, чем я восхищаюсь у Вагнера, — утверждал Дебюсси—Я задумываю иную драматическую форму; музыка существует для невыразимого; я хотел бы, чтобы она как бы выходила из сумрака и моментами возвращалась бы в сумрак.» Многих очаровала изысканная музыка оперы, ее поэтичность и психологическая чуткость. «Это была для меня дверь в прекрасную и совершенно новую страну»,— восклицал молодой Равель.
Классический образец импрессионизма Дебюсси — прелюд для симфонического оркестра «Послеполуденный отдых фавна» (1894) по стихотворению С. Малларме, идейного вождя символистов. В музыке переданы видения лесного бога — фавна. Капризно сменяющиеся звуковые арабески живописны, изобилуют конкретными жизненными ассоциациями. Та же линия продолжается и в программном симфоническом цикле «Ноктюрны» («Облака», «Празднества» — колоритная картина народной жизни, «Сирены»; 1897—1899). Композитор пояснял: «Речь идет не о привычной форме ноктюрна, но обо всем том, что это слово содержит от впечатлений и особых световых ощущений». Развивая дальше свои новаторские приемы, Дебюсси создает, три симфонических эскиза «Море» — звуковые пейзажи в светлых, спокойных тонах (1903—1905); полную огня «Иберию» (1906), навеянную картинами испанского праздника (вторая пьеса симфонических «Образов»); 24 прелюдии для фортепиано (1910—1913) — впечатления от сказочных образов, танцевальных сцен.
Живой творческий ум композитора неустанно ищет связи с жизнью. Отход от некоторых крайностей импрессионизма в сторону большей простоты особенно ощутим в его последних сочинениях — камерно-инструментальных, песнях, выдержанных в старофранцузском национальном, характере, в фортепианных пьесах таких циклов, как «Ящик с игрушками», «Белое и черное».и др.
Дебюсси создатель нового, оригинального и самобытного фортепианного стиля с многоплановой фактурой, мелодией внутри гармонического фона, прихотливой ритмикой, сложным ладогармоническим языком (неожиданно сменяющимися тональностями, зачастую неразрешенными диссонансами). Приемы фортепианной техники основаны на сложных комбинациях ее различных видов — аккордов и октав, гаммообразных и арпеджированных пассажей, попеременного чередования рук. Все это неизменно подчинено у Дебюсси единому художественному замыслу.
Романтический и Медленный вальсы — виртуозные произведения, часто звучащие, в концертных программах. В первом прослеживается линия развития образа от мрака к свету: короткие, тревожные фразы звучат сумрачно, взволнованно в начале, преобразуясь, становятся просветленными, торжественно-ликующими в коде. Второй вальс отличается общим светлым колоритом, более широким мелодическим дыханием, импровизационностью.

Ян СИБЕЛИУС (1865—1957)—выдающийся финский композитор. Один из крупнейших классиков мирового музыкального искусства, в творчестве которого, правдивом и самобытном, глубоко человечном, нашли воплощение образы суровой финской природы, история родной страны, ее эпос. Высоко ценили дарование Сибелиуса русские музыканты — Римский-Корсаков, Глазунов и др.
Наиболее значительные произведения созданы композитором в области программно-симфонической музыки. Оркестровый стиль Сибелиуса отмечен ярким национальным колоритом, монументальностью, мелодическим и гармоническим богатством. Среди его обширного творческого наследия 7 симфоний (1899—1924), симфонические поэмы (в том числе всемирно. известные «Туонельский лебедь»— 1893 и «Финляндия» — 1899), фантазия для симфонического оркестра «Дочь Похьолы» (1906), оркестровые сюиты, концерт для скрипки с оркестром (в двух редакциях — 1903, 1905), пользующийся мировой славой, 2 струнных квартета, 2 фортепианных квинтета, многочисленные пьесы для фортепиано, для скрипки и фортепиано, кантаты (a cappella и с оркестром), хоры, циклы песен, музыка к драматическим спектаклям (особенно популярен «Грустный вальс» из музыки к драме «Куолема» А. Ярнефельта; эта развитая симфоническая композиция, основанная на вальсовых ритмах, передает обширную гамму переживаний — то глубинную, затаенную скорбь, то светлые, возвышенные мечтания).
В области фортепианного творчества у Сибелиуса преобладают программные миниатюры, где широкое претворение находит жанрово-бытовая музыка. Трактуя фортепиано как певучий инструмент, композитор стремится к наиболее полному, использованию его тембровых возможностей, к тому, чтобы каждый из регистров пел своим «особым голосом».
Маленький вальс (соч. 40 № 1), написанный в простой двухчастной форме, является характерным образцом фортепианной миниатюры Сибелиуса. Глубокий лиризм, широта мелодического разлива, необычайная скромность и в то же время значимость, емкость выразительных средств — таковы основные черты этого сочинения.

Фриц КРЕИСЛЕР (1875—1962)—известный австрийский скрипач и композитор.
Крейслером написано немало произведений для скрипки, пользующихся популярностью во всем мире. Это преимущественно миниатюры, отмеченные тонким1 вкусом, простотой и изяществом («Венский каприс», «Китайский тамбурин», вальс «Прекрасный Розмарин», «Полишинель» и др.). Его перу принадлежат также 2 оперетты — «Цвет яблони» (написана совместно с В. Якоби, 1920) и «Зизи» (1933), струнный квартет, виртуозные транскрипции, получившие широкое распространение (в том числе «Славянские танцы» Дворжака, соната «Дьявольские трели» Тартини, «Гимн солнцу» Римского-Корсакова).
Весьма плодотворны были творческие встречи Крейслера с Рахманиновым, их совместные концертные выступления в сонатном ансамбле. Некоторые скрипичные пьесы Крейслера переложены Рахманиновым для фортепиано.
Вальс «Радость любви» — одно из наиболее популярных концертно-виртуозных произведений. Этому несомненно способствуют его особый жизнеутверждающий пульс, яркий эмоциональный накал, ритмически упругая пластика фактуры, мелодики. В данном томе вальс дан в облегченном переложении (широко известна концертная транскрипция Рахманинова).

Макс РЕГЕР (1873—1916) —известный немецкий композитор, пианист, органист, дирижер и педагог. Его называли «Бахом XX столетия», хотя сочинениям крупного мастера полифонии присущ некоторый рационализм, усложненность. Из-за трудности восприятия они не всегда становились достоянием широкой аудитории.
Творческое наследие композитора обширно. К его монументальным полифоническим сочинениям относятся «Вариации и фуга на тему Моцарта» для оркестра (1914), «Вариации и двойная фуга на тему И.-А. Гиллера» для оркестра (1907), отдельные пьесы для органа и др. Среди наиболее доступных массовому восприятию небольших произведений Регера 20 немецких танцев, вариации (на темы Бетховена, Баха, Телемана) для фортепиано, некоторые из многочисленных романсов.
В представленном вальсе (соч. 22 № 1) непрерывное развертывание мелодии красочно переплетается с полифонизированным сопровождением. В основном же преобладают повествовательность и эмоциональная уравновешенность, несмотря на значительное динамическое нарастание в конце.

Морис РАВЕЛЬ (1875—1937)—выдающийся французский композитор, пианист и дирижер; яркий представитель французского музыкального импрессионизма. «Всякая иная музыка рядом с его музыкой кажется несовершенной», — писал Ромен Роллан. Прокофьев называл Равеля «одним из самых крупных композиторов нашего времени».
Равель прошел сложный творческий путь. В период всеобщего увлечения различными формами «авангардизма», отрицающими живую эмоциональность музыки, логику интонационного и ладового развития, сохранил приверженность к глубоко человечному, этически возвышенному искусству. Новаторство композитора опиралось на классические традиции; в его музыке ярко обозначилась также связь с фольклором (особенно французским и испанским). Немалое воздействие оказало на Равеля творчество Бородина, Римского-Корсакова, Мусоргского (среди фортепианных пьес есть «В стиле Бородина», 1913; популярностью пользуется его обработка для оркестра «Картинок с выставки» Мусоргского, 1922).
Композитору принадлежат замечательные произведения в самых различных жанрах, отмеченные ясностью и сжатостью формы, четким и непринужденным построением мелодических фраз, большой динамичностью, богатством инструментального колорита и красочностью гармоний (как и Дебюсси, он значительно обогатил гармонические возможности музыки; его новаторские открытия в этой области оказали значительное влияние на композиторов разных стран).

К ранним сочинениям Равеля, написанным под воздействием творений Дебюсси, относятся фортепианные пьесы «Игра воды», цикл «Отражения», некоторые лирические романсы на стихи поэтов-символистов, струнный квартет фа мажор (1903), посвященный Дебюсси, сюита из трех пьес для голоса и симфонического оркестра «Шехеразада»  (1903), принесшая ему большую известность.
В последующие годы Равель создает разнохарактерные произведения, свидетельствующие о широте и многообразии его творческих устремлений. В их числе вокальный цикл «Естественные истории» (1906) на прозаические тексты Ж. Ренара, «Испанская рапсодия» для оркестра (1907), где наряду с тонкой импрессионистской пейзажностью передана стихия народного танца; детская фортепианная сюита в четыре руки «Моя матушка гусыня» (1908) по мотивам французских сказок; одноактный балет «Дафнис и Хлоя» (1909—1912, либретто М. Фокина) — лучший из балетов композитора; фортепианный цикл «Призраки ночи» (1908) с особенно запоминающимся саркастическим образом в последней пьесе— «Скарбо» («Оборотень»).
К крупным сочинениям послевоенного периода, в которых Равель преодолевает ограниченность импрессионистской эстетики, стремясь к большей психологической углубленности, относится фортепианная сюита из шести пьес «Гробница Куперена» (1917), посвященная памяти друзей, погибших на войне, и явившаяся, по словам композитора, «данью уважения не только Куперену, но и всей французской музыке XVIII века». Грандиозны по масштабам симфонического развития поэмы «Вальс» (1920) и «Болеро» (1928)—одно из самых популярных, наиболее демократичных произведений Равеля, яркое воплощение подлинно национального духа.
Из двух публикуемых вальсов («Благородные и сентиментальные вальсы» — № 3, 4) первый отличается таинственной нежностью колорита, хрупкостью образа; второй основан на противопоставлении гармонически насыщенных красочных звуковых комплексов, в его мелодической линии (пунктирно-остинатный ритмический рисунок) словно слышатся неторопливые всплески волн.

Сирил СКОТТ (1879—1970) — известный английский композитор, пианист, литератор и поэт. С его именем связано зарождение импрессионизма в английской музыке.
Скотт писал, пожалуй, во всех жанрах, оставив большое музыкальное наследие. Среди крупных произведений— оперы (из них поставлена «Алхимик», 1925), балет «Аптекарь-самоучка», много оркестровых сочинений (в том числе «Героическая сюита» — 1899, «Пассакалья на ирландские темы»—1916, увертюра к пьесе М. Метерлинка «Принцесса Малейн»—1912), концерты, инструментальные ансамбли, хоры.
Но наибольшее распространение получили лирические миниатюры композитора. Его фортепианные пьесы и романсы отмечены утонченным звуковым колоритом, характерным для импрессионизма усложненным гармоническим языком, тщательностью отделки деталей. Известны в широких кругах фортепианные пьесы на экзотические и русские темы — «В стране лотоса» (Ф. Крейслером сделана скрипичная транскрипция), «Негритянский танец», «Сфинкс», «Маленькая русская сюита», «Русский танец» и др.
Стилевые особенности композитора, его стремление найти свои индивидуальные средства выразительности, проявляются также и в Сентиментальном вальсе; экзотическому колориту способствует в основном гармонический язык — использование насыщенных нисходящих аккордовых построений (доминантсептаккорды с секстой, нонаккорды, целотонные созвучия в сочетании с диатоническими и т. д.).

Альфредо КАЗЕЛЛА (1883—1947) — известный итальянский композитор, пианист, дирижер и музыкальный писатель. В его произведениях, отличающихся сочностью звучания, ясностью формы и ритмической изысканностью, ощущается некоторая холодноватость, рационалистичность мышления (талант Казеллы наиболее ярко проявился в небольших музыкальных композициях).
На формирование творчества Казеллы оказали заметное воздействие совершенно различные течения в музыкальном искусстве. Черты стиля Р. Штрауса и Г. Малера ощутимы в его ранней рапсодии «Италия» (1909) на народные темы для симфонического оркестра. Под воздействием французского импрессионизма композитором в дальнейшем написан балет «Венецианский монастырь» (1914) и др. Но уже в 20-е годы он отходит от импрессионизма. В ряде сочинений, в том числе и в концерте для струнного квартета (1924), он стремится к своеобразной стилизации итальянской музыки.
Среди многочисленных произведений Казеллы 2 оперы («Женщина-змея»— 1932 и «Сказание об Орфее» — 1932), балеты и хореографические комедии, 3 симфонии (1905, 1909, 1940), «Паганиниана» (дивертисмент, 1942), концерты, инструментальные ансамбли, «Скарлаттиана» (для фортепиано и 32-х струнных инструментов, 1926), много фортепианных пьес, романсы, транскрипции (в том числе оркестровая — «Исламей» Балакирева).
Черты неоклассицизма, некоторая преднамеренная «суховатость» ощутимы в блестящем Диатоническом вальсе, где композитор почти совсем отказывается от использования аккордового склада в фактуре аккомпанемента, придавая мелодическому развитию порывистый и стремительный характер.

Кристиан СИНДИНГ (1856-1941) - норвежский композитор. Музыкальное образование получил сначала в Осло, затем в Лейпцигской консерватории. Позднее совершенствовался по композиции в Мюнхене и Берлине. В 1885 году в Осло состоялся концерт из произведений Синдинга. С этого же года композитор постоянно живет в Норвегии. В 1916 году Синдинг получил государственную пенсию как „крупнейший национальный композитор после Грига".
Синдинг - виднейший представитель скандинавского романтизма. В его творчестве опора на народный мелос сочетается с влиянием немецких композиторов Шумана, Вагнера. Наибольшей популярностью пользуются миниатюры для фортепиано лирического характера. Среди произведений Синдинга 2 оперы („Титандр", „Священная гора"); 4 симфонии; концерты с оркестром (один для фортепиано и три для скрипки); пьесы для скрипки с оркестром; фортепианный квинтет, 3 фортепианных трио; многочисленные инструментальные произведения; кантаты, хоры, песни (свыше 200); пьесы для фортепиано.

Эдуард МАК-ДОУЭЛЛ (1861-1908) - американский композитор и пианист; по происхождению шотландец. Музыкальное образование получил в Парижской и Франкфуртской консерваториях. Одно время занимался по фортепиано у Т. Кареньо. Первые же сочинения молодого композитора вызвали горячее одобрение Ф. Листа, дружба с которым продолжалась до самой его смерти (1886). С 1888 года Мак-Доуэлл живет и работает в' США, усиленно занимается композицией, много концертирует, преподает. С 1896 года по 1904 год руководит музыкальным отделом Колумбийского университета в Нью-Йорке.
Главное место в творчестве Мак-Доуэлла принадлежит фортепианной и вокальной миниатюре. Большинство этих произведений (как и все симфонические сочинения композитора) программны. Они основаны на ярких образах американского фольклора, быта, литературы, что является причиной популярности и в наши дни. Мак-Доуэлл по праву считается основоположником американской профессиональной музыкальной школы. Им написаны: симфонические поэмы „Гамлет и Офелия", „Ланселот и Элен", „Ламия", „Сарацины и красавица Алда"; 2 сюиты для симфонического оркестра; 2 фортепианных концерта (второй концерт с большим успехом исполнял В. Клайберн во время своих гастролей в СССР); сонаты, сюиты, идиллии, поэмы, этюды, многочисленные миниатюры для фортепиано; песни, романсы, дуэты, хоры; переложения оркестровых сочинений (в том числе Бородина, Римского-Корсакова) и др.

Рихард ШТРАУС (1864-1949) - немецкий композитор и дирижер. Музыкальное дарование проявилось очень рано. С четырех лет Штраус обучается игре на фортепиано и скрипке. Уже в юношеском возрасте им написаны две симфонии. После знаменательной встречи с X. Бюловым работает в оркестровой капелле Мейнингена. Это способствовало совершенствованию его дирижерского мастерства. Плодотворной была дружба с А. Риттером (дирижером, поэтом и композитором, страстным поклонником и пропагандистом творчества Вагнера) - Штраус развивает в своем творчестве традиции программного симфонизма Листа, Берлиоза и музыкальной драмы Вагнера. Как дирижер Штраус выступал во многих странах Европы, в 1898-1918 годах он главный дирижер Берлинской оперы, 1919-1924 годах — главный дирижер Венской оперы.
Произведения Штрауса отличаются яркой образностью музыкального языка, большим, увлекательным темпераментом, блестящей оркестровкой, богатством и разнообразием колорита. Его перу принадлежат: 15 опер („Саломея", „Электра", „Кавалер роз", „Молчаливая женщина" и др.); балеты „Легенда об Иосифе", „Взбитые сливки"; 2 симфонии, симфонические поэмы („Дон-Жуан", „Смерть и просветление", „Тиль Уленшпигель", „Так говорил Заратустра" и др.), „Домашняя симфония", „Альпийская симфония"; камерно-инструментальная музыка; романсы, песни, хоры; фортепианные пьесы и др.

Эркки МЕЛАРТИН (1875-1937) - финский композитор, дирижер и пианист. Музыкальное образование получил в Хельсинкской консерватории, которую окончил по классу композиции. С 1901 года преподаватель (в 1911—1922 годах директор) Хельсинкской консерватории.
Meлартин обращается к различным музыкальным жанрам, однако наибольшую популярность приобрели его фортепианные и вокальные миниатюры, проникнутые финскими народно-песенными интонациями и танцевальной ритмикой; большое влияние на творчество оказала музыка Э. Грига. Среди произведений Мелартина опера „Айно"; балет „Голубой жемчуг"; 8 симфоний, 3 поэмы, 5 сюит для симфонического оркестра; концерт для скрипки с оркестром; камерно-инструментальные произведения; свыше 400 пьес для фортепиано; около 300 песен и романсов; музыка к спектаклям.

Селим ПАЛЬМГРЕН (1878-1951) - финский композитор, дирижер и пианист. Окончил Хельсинкскую консерваторию по классу композиции. Позднее совершенствовался в игре на фортепиано у Ф. Бузони. Много концертировал как дирижер и пианист в странах Европы и Америки. С 1939 года Пальмгрен профессор композиции в Музыкальной академии имени Сибелиуса.
Творчество Пальмгрена проникнуто финским национальным колоритом. Особенной популярностью пользуются его мужские хоры и программные фортепианные миниатюры (циклы „Финские лирические пьесы", „Свет и тени" и др.). Пальмгрену принадлежат также; опера „Даниэль Юрт"; сюиты („Из Финляндии", „Времена года" и др.), „Пастораль", „Баллада", „Весенняя увертюра" для симфонического оркестра; 5 фортепианных концертов;
„Фантазия" для скрипки с оркестром; хоры, кантаты; обработки народных песен; многочисленные фортепианные пьесы и др.

Бела БАРТОК (1881-1945) - крупнейший венгерский композитор, пианист, исследователь народной музыки. Первоначальное музыкальное образование получил у родителей (музыкантов-любителей), брал уроки у Л. Эркеля, затем окончил Будапештскую музыкальную академию по фортепиано и композиции. В 1907—1934 годах Барток был профессором Будапештской музыкальной академии, много выступал с исполнением собственных произведений во Франции, Англии, Германии, США, СССР. В 1934 году работал в Венгерской академии наук. С приходом к власти фашистов в Венгрии вынужден был эмигрировать и с 1940 года жил в Нью-Йорке. Барток - прогрессивный деятель венгерской культуры, отдавший свои силы пропаганде народного музыкального искусства. В 1948 году ему посмертно присуждена премия имени Кошута, в 1955 году -Международная премия мира.
Барток является крупнейшим собирателем и исследователем народной музыки стран Юго-Восточной Европы, Азии, Африки. Им опубликовано множество сборников народной музыки различных стран, исследования о музыкальном фольклоре. Интересный мелодический рисунок, смелые гармонии, оригинальные ритмы отличают творческий стиль Бартока, выработанный на основе народной музыки. Среди его произведений опера „Замок герцога Синяя борода"; балеты „Чудесный мандарин", „Деревянный принц"; скерцо, бурлеска, 2 сюиты, 2 картины, концерт для симфонического оркестра; музыка для струнных, ударных и челесты; 3 концерта для фортепиано с оркестром; фортепианный квинтет, б струнных квартетов; огромное количество пьес для фортепиано (в том числе знаменитый цикл „Микрокосмос" — своеобразная школа современной детской музыки); песни, хоры; обработки народных песен.

Золтан КОДАЙ (1882-1967) - венгерский композитор, дирижер, собиратель и исследователь венгерского фольклора, педагог, видный ученый и музыкально-общественный деятель. Музыкальное образование получил в Академии имени Ф. Листа (Будапешт). Одновременно закончил философский факультет Будапештского университета. В 19Q0 году Кодай сблизился с Б. Бартоком. и вместе с ним вел работу по собиранию и исследованию венгерского музыкального фольклора, особое внимание уделяя крестьянской песне. Творческой задачей Кодая было претворение народных традиций в профессиональной музыке. Поэтому наряду с исследованиями в области фольклора, он тщательно изучает новую западную музыку. Для этого предпринимает поездки в Берлин и Париж. Возвратившись на родину, Кодай начинает свою многостороннюю музыкальную деятельность. С 1907 года преподаватель, а позднее профессор класса композиции Академии музыки в Будапеште. Совместно с Бартоком продолжает работу по исследованию народной музыки (лично Кодаем собрано, свыше 3500 народных песен), много концертирует, дирижируя собственными произведениями, пишет большое, количество теоретических работ и музыкально-критические статей. Наряду с Бартоком Кодай является основоположником современной венгерской композиторской школы.
Для творчества Кодая характерны глубокое проникновение в национальную венгерскую музыку, яркость музыкальных образов, красочность музыкальной палитры, большое мастерство изложения, виртуозная инструментовка, лаконичность форм. Его произведения - „откровение венгерской души" (Барток). Кодай вел большую музыкально-общественную работу, был трижды удостоен премии имени Кошута. Им созданы: оперы „Хари Янош" „Секей-асая прядильня", „Чинка Панна"; симфония; концерт для оркестра; „Венгерский псалом" и „Короткая месса" для хора, солиста и оркестра; камерно-инструментальные ансамбли; вокальные и хоровые произведения; сочинения для фортепиано, органа; музыка для кино; огромное количество музыковедческих работ, критических статей и др.

Ильмари ХАННИКАЙНЕН (1892-1955) - финский композитор и пианист; родился в семье известного композитора и хорового дирижера Пекка Ханникайнена. Музыкальное образование получил в Хельсинкской и Венской консерваториях. В игре на фортепиано совершенствовался в Петербурге у А. Зилоти и в Париже у А. Корто. С 1912 года вел класс фортепиано в Хельсинкской консерватории, с 1939 года профессор класса фортепиано Академии имени Сибелиуса; по праву считается одним из самых выдающихся педагогов-пианистов Финляндии. В составе трио, совместно с братьями Арво (скрипка) и Тауно (виолончель), много концертировал в разных странах Европы.
Творчество Ханникайнена проникнуто большой любовью к финской природе и народной музыке. К его произведениям относятся: опера „Праздник жнецов"; „Финские мелодии и танцы" для симфонического оркестра, оркестровая сюита „Танец пчел"; фортепианный концерт; камерные и вокальные произведения; пьесы для фортепиано и др.

Пауль ХИНДЕМИТ (1895-1963) - крупнейший немецкий композитор, альтист, дирижер. Музыкальное образование получил во Франкфуртской консерватории, которую окончил по классу скрипки и композиции. В 1921-1929 годах Хиндемит как альтист известного квартета Амара концертирует в различных странах Европы, пропагандируя свои произведения. В 1927 - 1935 годах профессор композиции Берлинской высшей музыкальной школы. В1935 году в связи с приходом к власти в Германии фашистов эмигрирует сначала в Турцию, затем в США, с 1954 года живет и работает в Цюрихе. Педагогическую и композиторскую деятельность Хиндемит совмещал с исполнительской, выступая как дирижер собственных произведений в Европе ,.и Америке.
Композитор огромной продуктивности, Хиндемит написал множество произведений едва ли не во всех музыкальных жанрах. Его композиторский стиль (конструктивно-линеарно-полифонический), вначале вызывавший возмущение академических кругов, с годами значительно проясняется. Во многих своих сочинениях Хиндемит затрагивает большие философские и гуманистические темы. Среди созданного композитором свыше 10 опер (в их числе знаменитая детская опера „Мы строим город"); 6 балетов; 4 симфонии (самая известная „Питсбургская"), симфонические поэмы и сюиты; много инструментальных концертов с оркестром; оратория, хоры, реквием („Американский реквием" на слова У. Уитмена); много произведений для различных инструментов; учебники по композиции, гармонии, книга „Мир композитора".

Франсис ПУЛЕНК (1899-1963) - французский композитор и пианист.-Музыкальное образование получил в Парижской консерватории* В начале 20-х годов вошел в творческую группу молодых французских композиторов, известную под названием „Шестерка", выступавшую против господствовавших в то время течений импрессионизма.
Для раннего творчества Пуленка характерна некоторая надуманность, увлечение модернистскими „новшествами". Но сквозь излом и гротеск его ранних сочинений уже пробивались естественные человеческие чувства. Ясная мелодика (в стиле Скарлатти и Гайдна), четкость гармонического языка, лаконичность формы — основные черты новаторского стиля Пуленка- В конце 30-х годов он примыкает к Народной музыкальной федерации, тесно связанной с прогрессивным антифашистским движением Народного фронта. В годы фашистской оккупации активно участвует в движении Сопротивления. В эти годы композитор пристально изучает и обрабатывает французские народные мелодии, создает на их основе крупные вокальные и хоровые произведения на слова П. Элюара, Л. Арагона, Гарсиа Лорки. Искусству Пуленка этих лет присущи яркость настроений, жизнерадостность, прочная народная основа мелодического языка, рельефность и гибкость интонаций, глубина содержания и тонкий психологизм музыкальных образов. Его перу принадлежат: оперы „Непонятый жандарм", „Сосцы Тиресия", „Диалоги кармелиток", „Человеческий голос"; балеты „Милочки", „Утренняя серенада", „Примерные звери"; симфониетта; концерты с оркестром для клавесина, для фортепиано, для двух фортепиано, для органа; кантаты, хоры, песни; камерно-инструментальная музыка; многочисленные произведения для фортепиано; музыка для театра, кино и др.

Огюст Мари ДЮРАН (1830—1909) — французский композитор, органист и музыкальный издатель. Музыкальное образование получил в Парижской консерватории, которую окончил по классу органа. В 1849- 1874 годах был органистом целого ряда церквей в Париже. В 1870 году основал совместно с Шеневерком издательскую фирму „Дюран и Шеневерк" (с 1934 года стала фирмой „Дюран и К0"); фирма получила мировую известность, публикуя в основном произведения французских композиторов.
В творчестве Дюрана наиболее примечательны фортепианные миниатюры. Удобные для исполнения пианистами-любителями, они окрашены разнообразными лирическими настроениями и, не претендуя на особую глубину содержания, отличаются богатством фактуры, тонкой отделкой деталей. Среди других сочинений Дюрана мессы, песни, пьесы для фисгармонии.


Бенжамен ГОДАР (1849-1895) - французский композитор и скрипач. Музыкальное Образование получил в Парижской консерватории, впоследствии став профессором композиции.
Из огромного творческого наследия Годара, который сочинял во многих музыкальных жанрах, в репертуаре исполнителей удержались лишь фортепианные миниатюры
(мазурки, вальсы и др.). Эти пьесы носят несколько салонный характер, им свойственны тонкое мелодическое изящество, тщательность отделки фактуры. Годаром создано также 7 опер (наиболее известная „Жоселен"); 5 симфоний; концерты для фортепиано, для скрипки с оркестром (в том числе „Романтический" - № 2); камерно-инструментальная музыка; свыше 100 песен; музыка для театра; многочисленные фортепианные пьесы и др.


Мориц МОШКОВСКИЙ (1854-1925) - польский пианист, композитор и педагог. Первоначальное музыкальное образование получил во Вроцлаве у своего отца, известного фортепианного педагога, затем учился в Дрездене. Окончил Берлинскую консерваторию по классу фортепиано; в дальнейшем член Берлинской академии искусств. С 1873 года много концертировал по городам Европы. С 1897 года жил и работал в Париже, где занимался композиторской и педагогической деятельностью (среди его учеников И. Гофман).
Как композитор Мошковский проявил себя в основном в области фортепианной музыки. В своих многочисленных фортепианных пьесах он не стремится к большой глубине содержания. Виртуозно-эффектные, удобные по фактуре, они полезны в педагогической практике. Особой популярностью до наших дней пользуются его „Испанские танцы", „Концертный вальс", „Юмореска", „Концертные этюды" и другие пьесы для фортепиано. К сочинениям Мошковского (помимо уже упомянутых) относятся: опера „Боабдиль, король мавров"; балет „Лаурин"; симфоническая поэма „Жанна д' Арк", 2 сюиты, „Фантастическое шествие" для симфонического оркестра; концерт для фортепиано с оркестром, концерт для скрипки с оркестром; инструментальные пьесы; песни и др.

 

 

РУССКИЕ КОМПОЗИТОРЫ

 

Антон Григорьевич РУБИНШТЕЙН (1829—1894) — выдающийся композитор, пианист, дирижер, педагог и музыкально-общественный деятель. Представитель просветительского движения в России 60-х годов. Всю свою жизнь отдал благородной цели развития профессионализма русской музыкальной культуры. Основал Русское музыкальное общество (1859), Петербургскую консерваторию (1862), которая стала подлинным центром музыкального образования в России наряду с Московской консерваторией (основатель И. Рубинштейн, 1866).
Большой интерес представляют многочисленные сочинения композитора. Он автор 19 опер (близость к русской национальной культуре особенно ярко проявилась в операх «Демон»—1871 и «Купец Калашников» — 1879), 6 симфоний, 5 концертов для фортепиано с оркестром, 10 струнных квартетов, музыкально-характеристических картин для симфонического оркестра, 5 фортепианных трио, сложных инструментальных ансамблей (квинтета, секстета, октета), пьес для отдельных инструментов, романсов и др.
В творчестве композитора видная роль отведена фортепианной миниатюре. Умение Рубинштейна-пианиста трактовать фортепиано как поющий инструмент сказалось и в его лирических пьесах. Многие написаны в концертно-виртуозной манере, в том числе и публикуемый Вальс-каприс.

Цезарь Антонович КЮИ (1835—1918)—известный композитор и музыкальный критик. Один из выразителей эстетики «новой русской школы» (балакиревского кружка «Могучая кучка»). Его музыкальные произведения 1Г статьи, отражая прогрессивные реалистические тенденции, сыграли положительную роль в развитии русской музыкальной культуры.
Выступив первым из балакиревского кружка как оперный композитор, Кюи раскрыл в своих операх 50— 70-х годов основополагающие для «Могучей кучки» драматизм, правдивость выражения чувств, яркость характеров несмотря на отсутствие непосредственной связи сюжетов его опер с русской жизнью («Вильям Ратклиф», «Анджело» и др.). Всего композитором создано 14 опер (среди них 4 детские). Кроме того, Кюи принадлежит ряд сочинений для симфонического оркестра, 3 струнных квартета, инструментальные пьесы, хоры, вокальные ансамбли, романсы (около 250), детские песни и др.
Среди фортепианных произведений Кюи несомненный интерес представляет вошедший в издание вальс — яркое воплощение в музыке драматической взволнованности, душевного смятения.

Милий Алексеевич БАЛАКИРЕВ (1836—1910) — выдающийся композитор, пианист, дирижер и музыкально-общественный деятель. С именем этого талантливого и самобытного композитора связано создание «новой русской школы» или балакиревского кружка, названного Стасовым «Могучей кучкой» (Балакирев, Мусоргский. Римский-Корсаков, Бородин, Кюи). Это содружество русских композиторов сложилось на рубеже 50—60-х годов и оказало громадное влияние на последующее развитие русской музыкальной культуры.
В своих художественных взглядах балакиревцы были наследниками, продолжателями традиций Глинки и Даргомыжского. Немалую роль в формировании их передовых воззрений сыграл крупнейший русский критик-искусствовед Стасов. Тема родины и народа — главная тема сочинений композиторов «Могучей кучки». Творческое использование ими различных жанров крестьянской песни значительно обогатило и расширило народно-песенную основу русской классической музыки.
Хотя Балакирев и не писал опер (в отличие от остальных членов кружка), однако проявил себя как замечательный мастер в области симфонической, камерной, вокальной и инструментальной музыки. В избранной сфере творчества композитор создал содержательные, высокохудожественные сочинения. Он автор 2 симфоний (1898, 1908), поэмы «Тамара» (1882), увертюр для симфонического оркестра, фортепианных произведений, в том числе фантазии «Исламей» (1869), где органично сочетается народный характер музыки с высокопрофессиональным композиторским мастерством. Среди песен и романсов Балакирева «Песня Селима» — одна из лучших поэтических страниц. Непреходящее значение имеют 2 сборника русских народных песен в его гармонизации, особенно первый (из песен, записанных в 1860 году на Волге).
В своем фортепианном творчестве композитор отдал дань и жанру вальса. Тонкая эмоциональная палитра и развитая фортепианная фактура — неотъемлемые черты его вальсов.

Петр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840—1893)—великий композитор, музыкальный критик и музыкально-общественный деятель. Его творчество отличается большим жанровым разнообразием, богатством драматического содержания, тончайшим психологизмом. Глубоко национальное и демократичное, оно представляет собой одну из вершин мирового реалистического музыкального искусства.
Чайковский был близок с композиторами «Могучей кучки» (особенно с Балакиревым и Римским-Корсаковым), с великими русскими писателями А. Островским и Л. Толстым.
Среди опер композитора «Черевички» (1885), «Евгений Онегин» (1878), «Орлеанская дева» (1879), «Мазепа» (1883), «Чародейка» (1887), «Пиковая дама» (1890) —глубочайшая психологическая музыкальная драма. Исключительно требовательно Чайковский относился к оперному либретто, в ряде случаев писал сам («Опричник», «Евгений Онегин», «Орлеанская дева») или перерабатывал уже готовые («Мазепа», «Черевички»). Его перу принадлежат также 3 балета — «Лебединое озеро» (1876), «Спящая красавица» (1889) и «Щелкунчик» (1892), ставшие основополагающими в развитии русской балетной классики. «Щелкунчик», задуманный как балет для детей, своим содержанием выделяется среди произведений композитора. Здесь он соприкоснулся с романтическим сюжетом сказки Гофмана, где шутка нередко переходит в иронию. «Вальс цветов» из этого балета (публикуемый в переложении автора) и «Вальс снежинок» — образцы симфонизации массового танца в балете (так же как и вальсы из «Лебединого озера» и «Спящей красавицы»).
Чайковским создано около 30 симфонических произведений самых разнообразных по жанрам, сюжетам и формам. К программным сочинениям относятся симфония «Манфред» (18185), увертюры и увертюры-фантазии, 2 симфонические поэмы — «Фатум» (1868) и «Воевода» (1891), несколько симфонических сюит. К симфонической музыке примыкают 3 фортепианных концерта, скрипичный концерт и «Вариации на тему рококо» для виолончели с оркестром. Кроме того, Чайковский автор 3 струнных квартетов, фортепианного трио, сонат, пьес для скрипки и фортепиано, романсов и др.
Вальсовость ярко ощущается во многих сочинениях композитора. Вальс из оперы «Евгений Онегин» и романс «Средь шумного бала», «Сентиментальный вальс» и главная тема первого концерта для фортепиано с оркестром, «Декабрь» («Святки») из «Времен года» и тема судьбы в четвертой симфонии — как различны эти музыкальные образы, жанровым источником которых служит вальс. «Чайковский заворожен формулой вальса; вероятно, это отголосок наваждения и опьянения с первых десятилетий XIX века, захватившего Европу и распространившегося под влиянием колдунов: Ланнера и Штрауса» (Асафьев Б. В. Избр. труды—М.: Изд. АН СССР, 1954, т. 2, с 179).

Николай Андреевич РИМСКИЙ-КОРСАКОВ (1844— 1908) — выдающийся композитор, педагог, дирижер, музыкальный писатель и общественный деятель (участник кружка «Могучая кучка»). Его произведения, проникнутые идеями демократизма, народности, свободолюбия, вошли в русскую музыкальную культуру наравне с произведениями Глинки, Бородина, Мусоргского, Чайковского.
Развивая творческие принципы Глинки, Римский-Корсаков создал новые разновидности оперного жанра: бытовую оперу — «Псковитянка» (1872; прологом служит его опера «Боярыня Вера Шелога») и «Царская невеста» (1898), выделяющаяся среди других опер драматической насыщенностью, особой певучестью, широтой кантилены; оперу-сказку — «Снегурочка» (1881); которую автор назвал своей «девятой симфонией», и «Сказка о царе Салтане» (1900); оперу-былину — «Садко» (1896), оперу-легенду — «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1907), сатирическую оперу-сказку — «Золотой петушок» (1907). Названные произведения рассматриваются в оперном наследии композитора как основные, этапные.
Величайший мастер программно-симфонической музыки, Римский-Корсаков воплотил в своих оркестровых сочинениях образы природы, жанровые картины и т. п. Его перу принадлежат 3 симфонии (1865, 1868, 1874), «Увертюра на русские темы» (1866), «Фантазия на сербские темы» (1867), музыкальная картина «Садко» (1867), «Испанское каприччио» (1887)—одно из высших достижений композитора в области оркестровки; «Воскресная увертюра» (1888), сюита «Шехеразада» (1888), «Дубинушка» (с хором ad libitum) —небольшая оркестровая пьеса, явившаяся откликом на революционные события 1905 года.
Среди романсов композитора есть непревзойденные образцы. Написанные в основном на тексты русских поэтов, они исполнены спокойной созерцательной лирики (со значительными элементами звукописи) — «Редеет облаков», «На холмах Грузии» и др.
Римский-Корсаков автор множества фортепианных пьес. Очень поэтичный, мелодически выразительный вальс (соч. 15 № 1) привлекает эмоциональной щедростью, искренностью выражения, своим подлинно концертным размахом.

Анатолий Константинович ЛЯДОВ (1855—1914) — известный композитор, педагог и дирижер. Представитель русской классической музыки, последователь глинкинских традиций. Его творчеству, в котором нашли отражение темы былинного эпоса и сказочной фантастики, присущи народно-песенный лиризм, элементы жанровой характеристичности и комизма.
Композитору принадлежат вокальные и инструментальные миниатюры, небольшие симфонические произведения программного характера, лаконичные и отточенные по форме. К лучшим его оркестровым сочинениям относятся «Баба-Яга» (1904) и «Кикимора» (1910) — «портреты» сказочных существ; «Волшебное озеро» (1909)—звукопись таинственных зовов, мерцающих звезд, водной глади и глубин. Среди фортепианного наследия Лядова выделяются баллада «Про старину» (1889, позднее переработана для оркестра), циклы «Бирюльки», «Арабески». Им написаны также вариации, прелюдии, этюды, багатели, вальсы, мазурки и др.
Вальс (соч. 9 № 1)—один из выдающихся образцов русской фортепианной миниатюры — привлекает совершенством формы, яркой выразительностью и изяществом мелодических очертаний, изысканностью гармонического языка и безупречным голосоведением. Фортепианная пьеса «Музыкальная табакерка» (вальс-шутка) уже при жизни композитора стала самым популярным его сочинением. С тонкой наблюдательностью и юмором Лядов воспроизвел звучание музыкального механизма, металлический перезвон «затейливой вещицы».

Антон Степанович АРЕНСКИЙ (1861 —1906) — известный композитор, пианист, дирижер и педагог (ученик Римского-Корсакова). В его творчестве, продолжающем традиции русской классической музыки, характерно стремление к простоте и ясности музыкального языка.
Ярче всего композитор проявил себя в сочинениях малых форм, главным образом в романсах и фортепианных пьесах. «Музыку его, — писал Б. В. Асафьев, — почти всегда можно узнать и отличить по каким-то почти неуловимым, мягким и грациозным изгибам мелодий и гармоний, весьма, порой, симпатичным и привлекательным». Это высказывание целиком можно отнести к любому из публикуемых двух вальсов.
Аренским написаны произведения самых разнообразных жанров: 3 оперы («Сон на 13олге»— 1890, «Рафаэль»— 1894, «Наль и Дамаянти» — 1903), музыка к поэме Пушкина «Бахчисарайский фонтан» (1899), балет «Ночь в Египте» (1900), 2 симфонии (1883, 1889), концерты для фортепиано (1882), скрипки (1891) с оркестром, инструментальные ансамбли, вокальные сочинения, хоры, пьесы для фортепиано и др.

Александр Константинович ГЛАЗУНОВ (1865— 1936)—выдающийся композитор, педагог, дирижер и музыкально-общественный деятель. Верный последователь своих великих учителей — Римского-Корсакова и Балакирева, один из замечательных русских классиков, творческие традиции которых развивают и умножают советские композиторы.
Глазунов тяготел преимущественно к широким обобщенным формам инструментальной музыки. Его сочинения отличаются естественностью, логичностью построении, яркой мелодической напевностью, выразительностью гармонического языка, сочной оркестровкой. Композитором написано 8 симфоний, много программных симфонических произведений, 2 концертных вальса (1893, 1894), 5 концертов (в том числе два фортепианных— 1911, 1917), ансамбли, инструментальные пьесы и др.
В развитие русской балетной музыки Глазунов внес ценный вклад. Стремясь к выразительности и конкретности образов, широкому лейтмотивному развитию, он симфонизировал, как и Чайковский, танцевальный жанр. Лучший и популярнейший балет Глазунова-«Раймонда» (1897) наряду с балетами Чайковского составляет основу русского классического балетного искусства. В вальсе из первого действия (с певучей, пластичной мелодией) проявляются масштабность, совершенство линий, благородство звучания.
Произведения 90-х годов, среди которых следует назвать «Концертный вальс», «Пастораль, польку и вальс» (соч. 42), «Прелюд, каприс и гавот» (соч. 49), написаны в характерной для всего творчества Глазунова манере. Красивый по мелодике тематизм, разработанная полимелодическая фактура, фортепианное изложение с выгодным использованием различных видов техники, делают эти сочинения привлекательными для пианистов.

Александр Тихонович ГРЕЧАНИНОВ (1864—1956) — известный композитор и педагог. В своем творчестве следовал реалистическим традициям русской музыкальной классики.
Живя на протяжении более тридцати лет за рубежом (с 1925 года —во Франции, с 1939—в США), Гречанинов продолжал вдохновляться образами своей Родины. Среди его многочисленного творческого наследия ведущее место занимают вокальные произведения, отмеченные академической стройностью и выразительностью мелодического языка (лирика в них часто носит черты созерцательности). Композитором создано свыше 200 романсов, хоров, тонких обработок народных песен. Особенно велика его заслуга как автора чудесной детской музыки — песен и пьес для отдельных инструментов, неизменно пользующихся популярностью в педагогической практике.
Перу Гречанинова принадлежат также опера-былина «Добрыня Никитич» (1901)—лучшая из его опер, написанная в лирическом песенно-романсовом стиле; опера-легенда «Сестра Беатриса» (1910), опера «Женитьба» (1946), 3 детские оперы (в том числе «Мышкин теремок», 1921), кантаты, среди которых кантата «К победе» на слова Пушкина и автора музыки (1943), созданная под впечатлением побед Советской Армии; вокально-симфонические произведения, литургии, мессы, 6 симфоний (в том числе «Пасторальная», 1909), инструментальные ансамбли, сонаты, пьесы для фортепиано.
Вальс (соч. 61 N5 5) привлекает мягким, нежным колоритом, ажурностью мелодических линий, тонкой нюансировкой и гармонической изысканностью.

Владимир Иванович РЕБИКОВ (1866—1920) — известный композитор, пианист и музыкально-общественный деятель. «В моих работах хотел я лишь одного: так передать звуками музыки настроение или чувство, чтобы слушатель заразился бы тем же настроением или чувством»,— писал о себе композитор.
Несмотря на то, что Ребиков не обладал достаточной музыкальной подготовкой как композитор, им создано большое число сочинений; не все они выдержали испытание временем. Из десяти его опер были поставлены две — «В грозу» (по пьесе В. Короленко «Лес шумит», 1893) и «Елка» (по Ф. Достоевскому, X. Андерсену, Г. Гауптману, 1900). Э. Григ считал оперу «Елка» произведением «очень талантливым, совершенно особенным в гармоническом отношении».
Ребиков преимущественно мастер музыкальной миниатюры. Его фортепианные пьесы получили достаточное распространение и в наши дни — сюиты, циклы, альбомы. Композитором написаны также вокальный цикл «24 басни Крылова в лицах», детские хоры и песенки, романсы, вокальные сцены, фортепианные и вокальные меломимики, пьесы для скрипки, для виолончели, для духовых и др.
Меланхолический вальс (соч. 3 № 3) относится к числу ранних фортепианных миниатюр Ребикова, где уже в достаточной степени проявляются черты стиля композитора, его стремление к максимальной мелодической экспрессии, полифонизации сопровождения, выразительному использованию сложных гармоний. Из произведений зрелого периода наибольшую популярность приобрел вальс из оперы-сказки «Елка», которому свойственны мелодическая широта и мягкая певучесть, глубоко задумчивый характер и внутренняя эмоциональная насыщенность.

Александр Николаевич СКРЯБИН(1871-1915) - великий русский композитор и пианист. Родился в семье дипломата; мать композитора была хорошей пианисткой. С детства Скрябин был помещен в кадетский корпус, где не остались незамеченными выдающиеся музыкальные "способности будущего композитора. Занимаясь у лучших московских педагогов: Н. Зверева, В. Сафонова, А. Аренского, С. Танеева, он в 1892 году блестяще окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано и по композиции; в дальнейшем профессор Московской консерватории по классу фортепиано (1898—1903). Много концертировал как пианист, исполняя свои произведения в России и за рубежом (в том числе Голландии, Англии, США, Германии) в 1893—1898 годах и все последние годы своей жизни. Умер Скрябин в Москве.
Творчество Скрябина, развивающееся в эпоху общественных потрясений, революции 1905 года и последовавшей за ней реакции, представляет собой сложное явление. Ясно ощутимы два периода. Первый (примерно до 1906 года) отличается оптимистически-волевыми образами. Произведения этого периода обладают редкой завершенностью, лаконизмом изложения, остротой контрастных музыкальных образов мрака и света, хрупкостью лирических линий, ощущением встревоженности, взволнованности. Во втором периоде просматривается постепенный отход от реалистического метода, усиление черт субъективизма, мистического символизма. Это выразилось также в усложненности музыкального языка, внешней остроте ритмических и мелодических приемов. Перу Скрябина принадлежат более 180 произведений. Среди них 3 симфонии, симфонические поэмы „Мечты", „Поэма экстаза", „Поэма огня" („Прометей" — с фортепиано, хором и световыми эффектами); концерт для фортепиано с оркестром; множество фортепианных сочинений (в их числе 10 сонат, 90 прелюдий, 26 этюдов, 19 поэм, 21 мазурка).

Николай Витальевич ЛЫСЕНКО (1842—1912) — выдающийся украинский композитор, пианист, хоровой дирижер и этнограф; основоположник национальной музыкальной школы. В своем творчестве следовал реалистическим принципам «Могучей кучки», претворяя их на основе украинского народного музыкального искусства.
Среди творческого наследия композитора оперы, заложившие основу украинского национального оперного театра: «Черноморцы» (1873), «Рождественская ночь» (1874, третья редакция— 1882), «Утопленница» (1883) по мотивам «Майской ночи» Гоголя, комическая опера «Наталка-Полтавка» (1889)—лучшая из опер, где широко использованы украинские народные песни, «Тарас Бульба» (1890); оперетта «Энеида» (1910)—комедия, высмеивающая в иносказательной форме царское самодержавие; детские оперы «Коза-дереза» (1888), «Пан Коцкий» (1891), «Зима и Весна, или Снежная красавица» (1892); вокальные произведения (в том числе популярный цикл «Музыка к Кобзарю»), фортепианные и скрипичные пьесы, замечательные обработки украинских народных песен.
Для Меланхолического вальса (соч. 17 № 1) характерно напряженное драматическое развитие, взаимопроникновение элементов украинской народной песни, русского бытового романса.

Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873-1943) -великий русский композитор, пианист и дирижер; родился в музыкальной дворянской семье. Музыкальное образование получил сначала в Петербургской, затем в Московской консерватории, которую окончил по классу фортепиано у Н. Зверева и А. Зилоти (1891), по классу композиции у С. Танеева и А. Аренского (1892; Большая золотая медаль). По окончании консерватории Рахманинов выступал как пианист в Москве и других городах России. Его исполнительское искусство - новый этап в развитии мирового пианизма. Дальнейшее развитие лучших традиций русской фортепианной школы нашло свое воплощение в реалистической убедительности художественной трактовки, в мощи темперамента и виртуозном размахе, в певучести игры Рахманинова. В 1897-1898 годах Рахманинов дирижирует Московской частной оперой С. Мамонтова, в 1904-1906 годах становится дирижером Большого театра. В 1917 году уезжает сначала в Париж, затем в Швейцарию и окончательно оседает в США. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал ряд концертов в фонд Советской Армии.
Творчество Рахманинова явилось одной из вершин русской музыкальной классики. Для его музыки характерны широкая напевность, волевая патетика, суровая лирика, мощный, острый ритм, своеобразие и богатство гармонического языка, яркая национальная форма. Композитором написаны: оперы „Алеко", „Франческа да Рими-ни", „Скупой рыцарь"; кантата „Весна" для баритона, хора и оркестра; поэма „Колокола" для хора, солистов и оркестра; 3 симфонии, фантазия „Утес", „Каприччио на цыганские темы", симфоническая поэма „Остров мертвых", „Симфонические танцы", „Три русские песни" для симфонического оркестра; 5 концертов (пятый — „Рапсодия на тему Паганини**) для фортепиано с оркестром; свыше 70 романсов; фортепианное трио, соната для виолончели и фортепиано; множество произведений для фортепиано (в том числе сонаты, 2 цикла прелюдий, 2 цикла этюдов-картин) и др.

Игорь Федорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971) - крупнейший русский композитор и дирижер. Родился в семье замечательного оперного певца Федора Стравинского, в доме которого бывали Ф. Достоевский, Н. Римский-Корсаков, В. Стасов, П. Чайковский. Отец определил его на юридический факультет Петербургского университета. Лишь в 20 лет композитор смог систематически заняться музыкой под руководством Н. Римского-Корсакова. В 1910 году Стравинский по приглашению С. Дягилева уезжает в Париж для сочинения балетов для Русских сезонов. Позднее, в период первой империалистической войны, живет в Швейцарии, Франции; с 1939 года окончательно обосновывается в США. В 1962 году в связи со своим восьмидесятилетием Стравинский приезжал в СССР.
Творческая жизнь композитора проходила на пересечении различных идейных, философских и художественных течений. В мускульно-моторной энергии музыки Стравинского запечатлелись не только противоречия нашего века, но и сама современность во многих своих сложных проявлениях. Наблюдается три периода в его творчестве: от импрессионизма — к неоклассицизму и затем — к конструктивизму, додекафонии и серийной технике. Сам композитор отмечает две кризисные точки в своей биографии: первая — когда нарушились контакты с родиной (1914—1915), вторая — необходимость приспособления к условиям существования в США, Однако во всех периодах творчества доминирует русское начало его музыки. Среди огромного музыкального наследия композитора оперы „Соловей", „Мавра", „Царь Эдип", „Похождения повесы"; балеты „Жар-птица", „Петрушка", „Весна священная", „Пульчинелла", „Аполлон Мусагет", „Поцелуй феи", „Игра в карты", „Орфей", „Агон", мелодрама-балет „Персефона" хореографическая кантата „Свадебка", балетные пантомимы „Байка про лису.", „Сказ о беглом солдате и черте"; вокально-симфонические произведения (в том числе „Симфония псалмов"), 3 симфонии, „Ода-триптих", „Черный концерт", „Фантастическое скерцо", „Фейерверк" для симфонического оркестра; концерты для фортепиано, для скрипки с оркестром, для двух фортепиано с камерным оркестром; камерно-инструментальная музыка; вокальные произведения, фортепианные пьесы.

 

 

СОВЕТСКИЕ КОМПОЗИТОРЫ

 

 

Александр Федорович ГЕДИКЕ (1877—1957) — известный композитор, пианист, органист и педагог. В своем творчестве своеобразно сочетал традиции русской музыкальной классики с баховскими традициями (напевность русской песни с полифоническим развитием).
Для музыки Гедике характерны монументальность, развитая полифоническая ткань, ясность замысла и формы, внутренняя сосредоточенность. Его перу принадлежит немало произведений разнообразных жанров инструментальной и вокальной музыки. В том числе 3 симфонии (1902, 1905, 1922), 4 оперы — «Виринея» (1915), «У перевоза» (1933), «Жакерия» (1938), «Макбет» (1944), сочинения для органа — концерт для органа со струнным оркестром (1927), прелюдии, фуги и др. Особую ценность представляют фортепианные пьесы инструктивно-педагогического характера, в которых органично сочетаются определенные педагогические задачи с художественным замыслом (упражнения, этюды, пьесы и др.).
В издание включен «Маленький вальс» Гедике, исполненный душевной теплоты, искренности. И хотя основная тональность этого вальса минорная (фа минор), в целом он звучит очень светло и умиротворенно.
Лирика Ревуцкого отмечена интеллектуальной утонченностью и душевной мягкостью, без навязчивой чувствительности. Эти черты стиля в полной мере проявились и в публикуемом вальсе, относящемся к наиболее ранним сочинениям композитора.

Виктор Степанович КОСЕНКО (1896—1938) — известный композитор и пианист. В его творчестве слились воедино традиции русской музыкальной школы с народно-национальными истоками украинской музыкальной культуры.
Среди сочинений композитора «Героическая увертюра» (1932), «Симфоническая поэма на молдавские темы» (1937), концерты для скрипки (1919), фортепиано (1937) с оркестром, «Классическое трио» для фортепиано, скрипки и виолончели (1927), соната для виолончели и фортепиано (1923), 36 романсов, 37 песен, обработки народных песен, музыка для театра и кино.
Косенко много и плодотворно писал для фортепиано (сонаты, поэмы, прелюды, вальсы и др.). Напечатанный в альбоме вальс, небольшое по форме сочинение, привлекает благородной сдержанностью, теплотой, искренностью музыкального высказывания и очень естественно завершается мажорным просветлением.

Лев Николаевич РЕВУЦКИЙ (1889-1977) — известный композитор, педагог и музыкально-общественный деятель. Его музыке свойственна задушевность, ясно ощутим украинский колорит.
Композитором написаны 2 симфонии (всеобщее признание получила вторая, созданная в 1926 году и переработанная в 1939—1940 годах), кантата-поэма «Хустина» («Платок») на стихи Шевченко (1923, переработана в 1949), 2 концерта для фортепиано с оркестром, сочинения для хора и для сольного пения, обработки украинских народных песен и др.
В творчестве Ревуцкого выделяются два направления: лирическое и эпическое. Первое характерно главным образом для его ранних сочинений, второе все отчетливей проявляется в дальнейшем. Во многих произведениях эти два начала неразделимы, взаимно дополняют и обогащают друг друга.

Арам Ильич ХАЧАТУРЯН(1903—1978) — выдающийся композитор, педагог, дирижер и музыкально-общественный деятель. Ученик Н. Мясковского. Характерные особенности народной музыки Кавказа, русского классического и современного симфонизма нашли самобытное отражение в его произведениях.
Музыка композитора очень жизнерадостна, импульсивна. Его имя стало известно уже после появления первой симфонии (1935) и концерта для фортепиано с оркестром (1936). Всемирной известностью пользуются фрагменты из балета «Гаянэ» («Танец с саблями» и др.), музыка к драме Лермонтова «Маскарад» (особенно вальс), концерты для фортепиано (1936), скрипки (1940), виолончели (1946) с оркестром. Среди сочинений композитора «Симфония с колоколом» (1943). «Ода памяти В. И. Ленина» (1950), балет «Спартак» (1954), концерты-рапсодии для скрипки (1961), виолончели (1963), фортепиано (1965) с оркестром, сюиты для симфонического оркестра, много сочинений для отдельных инструментов, песен, музыка к драматическим спектаклям, кинофильмам.
Вальс из «Маскарада» развивает традиции русского вальса, идущие от «Вальса-фантазии» Глинки. «Этот вальс знают все решительно, — говорит мастер устного рассказа Ираклий Андроников, — он нравится и музыкантам и просто людям со слухом, и людям даже не музыкальным; и старым и молодым, и восторженным и скептикам, не признающим «серьезной» музыки. Звучит ли он с концертной эстрады, по радио или с пластинки, вальс этот отвечает каждому сердцу, каждой аудитории. Возникший в 1941 году как музыка к постановке драмы Лермонтова в Театре имени Вахтангова, он давно уже перешагнул пределы драматической сцены и звучит теперь в концертных залах едва ли не всего мира».

Анатолий Николаевич АЛЕКСАНДРОВ (1888— 1982) — известный композитор, пианист и педагог. Произведения его отличаются многообразием жанров, доступностью музыкального языка и тщательностью отделки фактуры, формы.
Композитором созданы 3 оперы (среди них «Бэла»—по Лермонтову, 1946), сюиты и увертюры для симфонического оркестра, пьесы для фортепиано, квартеты, романсы, детские хоровые песни, обработки народных песен, музыка к спектаклям, кинофильмам и др.
Сюита «Отзвуки театра» (1945)—это пестрые страницы театральной и киномузыки Ан. Александрова, мастерски обработанные для фортепиано в духе старинной музыки (состоит из шести частей: Ария, Гальярда и павана, Хорал и полька, Вальс, Пляска на площади и сицилиана, Гавот). Публикуемый вальс из сюиты — поэтическая зарисовка, мимолетное впечатление. Написанный в неярких пастельных тонах, он контрастирует предыдущей и последующей частям, являясь как бы антрактом после бурной концертной польки.

Николай Яковлевич МЯСКОВСКИЙ (1881-1950) -крупнейший советский композитор, педагог, музыкальный критик. Музыкальное образование получил в Петербургской консерватории по классу композиции; с 1921 года был профессором Московской консерватории (класс композиции). Выдающийся педагог, Мясковский сыграл огромную роль в становлении советской композиторской школы, Среди его учеников (их около 100) такие известные советские композиторы, как А. Хачатурян, Д. Кабалевский, В. Шебалин, В. Мурадели, Н. Пейко, Е. Голубев, Б. Мокроусов, Н. Будашкин, А. Эшпай. Мясковский - народный артист СССР, лауреат Государственных премий, награжден орденом Ленина.
Мясковский по праву считается основоположником советского симфонизма. В симфониях композитора нашли глубокое и яркое воплощение идеи и образы советской действительности. Им создано: 27 симфоний; увертюры, „Славянская рапсодия" для симфонического оркестра; концерты для скрипки, для виолончели с оркестром; 13 квартетов; кантаты „Киров с нами" и „Кремль ночью", хоры, романсы, песни; большое число инструментальных, фортепианных произведений (в том числе 9 сонат, циклы „Причуды", „Воспоминания", „Незатейливые вещицы", „Пожелтевшие страницы", множество детских пьес) и др. Велика роль критического наследия Мясковского; его статьи, рецензии стали подлинной школой для нынешнего поколения музыковедов.

Леонид Алексеевич ПОЛОВИНКИН (1894—1949) — известный композитор и педагог. Большое распространение получила его замечательная музыка для детей (продолжительное время работал заведующим музыкальной частью Московского театра для детей — ныне Центральный детский театр).
В творчестве Половинкина встречаются произведения разных музыкальных жанров, но наибольшее место отведено инструментальной музыке. Среди созданного композитором опера «Сказка о рыбаке и рыбке» (1935), оперетты «Сирокко» (1928), «Даже в трикотаже» (1931), детские балеты (к ним принадлежит пантомима «Негритенок и обезьяна», либретто Н. Сац и Э. Мея, 1927), 9 симфоний (1929—1944), сюиты для симфонического оркестра (в том числе из музыки к пьесе А. Толстого «Золотой ключик», 1936), концертные вальсы, увертюры, концерт для фортепиано с оркестром (1933), 4 струнных квартета, 2 трио (фортепианное и струнное), произведения для фортепиано (5 сонат, несколько циклов, отдельные пьесы и др.), романсы, детские песни-игры, музыка для театра и кино.
В вальсе «Кукла» (из цикла «Танцы Загадок») гармонический язык (альтерированные аккорды, целотонные созвучия) и динамические контрасты способствуют призрачно-таинственному, несколько холодноватому колориту музыки.

Дмитрий Борисович КАБАЛЕВСКИЙ (1904— 1987)—известный композитор, пианист, педагог, дирижер, музыкальный писатель и общественный деятель. Живое ощущение современности, оптимизм, обращение к лирике, симфоническая обобщенность образов относятся к основным чертам его творчества.
Произведения Кабалевского охватывают почти все музыкальные жанры и формы. Многогранность художественных интересов предопределила богатство содержания его искусства. Среди созданного композитором оперы «Кола Брюньон» («Мастер из Кламси», 1938), «В огне» («Под Москвой», 1943), «Семья Тараса» (1947, вторая редакция— 1950), «Никита Вершинин» (1955), «Сестры» (1969), оперетта «Весна поет» (1957), ряд сочинений в ораториально-кантатном жанре, таких как «Поэма борьбы» (1930), кантаты («Родина великая» — 1942, «Песня утра, весны и мира»—1958, «Ленинцы» — 1959, «О родной земле» —1965), реквием (на стихи Р. Рождественского, 1962), посвященный памяти погибших в борьбе с фашизмом; 4 симфонии, 3 концерта для фортепиано с оркестром (1929, 1936, 1952), концерт для скрипки с оркестром (1948), 2 концерта для виолончели с оркестром (1949, 1964), рапсодия на тему песни «Школьные годы» для фортепиано с оркестром (1964); «Пражский концерт» для фортепиано со струнным оркестром (1979), 2 струнных квартета (1928, 1945), фортепианные сочинения, романсы, песни, музыка для театра, кино, радио.
Кабалевский внес большой вклад в школьный педагогический репертуар. «Начало моей работы над музыкой для ребят, в сущности, совпадает с началом моей творческой работы вообще»,— вспоминал композитор. Его многочисленные детские песни и фортепианные пьесы пользуются редким успехом у юных музыкантов и слушателей.
К жанру вальса композитор обращается неоднократно. Публикуемый вальс из оперетты «Весна поет» вносит особую празднично-романтическую атмосферу в последнее действие (сцена встречи молодых архитекторов). Медленный вальс (соч. 39 № 23) — поэтичная фортепианная миниатюра с проникновенной, распевной мелодией и скупым, выразительным сопровождением.

Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906— 1975)—выдающийся композитор, пианист, педагог и музыкальный деятель. В его новаторском творчестве, особенно симфоническом, воплотились глубокие жизненно-значительные идейные концепции, сфера острых, часто трагических конфликтов, мир сложных человеческих переживаний.
Музыка Шостаковича вошла в золотой фонд русской и мировой музыкальной культуры. Глубокий гуманизм, правдивость и огромная сила эмоционального воздействия его музыкальных образов свидетельствуют о неразрывной связи с традициями классиков прошлого, прежде всего русских композиторов.
Каждая из 15 симфоний крупнейшего симфониста современности — событие музыкальной жизни. Нередко Шостаковичем предпослана литературная программа. «Нашей борьбе с фашизмом, нашей грядущей победе над врагом, моему родному городу Ленинграду я посвящаю свою седьмую симфонию»,— писал композитор.

Десятая. симфония создана, по его словам, «в защиту мира». Революционные события 1905 года раскрываются в одиннадцатой симфонии. Памяти великого Ленина посвящена двенадцатая.
Среди произведений Шостаковича оперы «Нос» (1928), «Екатерина Измайлова» («Леди Макбет Мценского уезда», 1932), «Игроки» (неокончена), балеты, оперетта «Москва, Черемушки» (1959), концерты, сочинения ораториально-кантатного жанра (к ним примыкает тринадцатая симфония), камерные сочинения (фортепианный квинтет, струнные квартеты и др.), фортепианные пьесы, хоры, вокальные циклы, музыка к драматическим спектаклям и кинофильмам.
Три представленных в издании вальса различны по образам. Это одухотворенность, стремительность Лирического вальса, мягкая скерцозность Вальса-шутки, поэтическое благородство вальса из музыки к кинофильму «Златые горы».

Василий Павлович СОЛОВЬЕВ-СЕДОЙ(1907— 1979)—известный композитор, выдающийся мастер советской песни. «Сколько бы ни пробовал Соловьев-Седой себя в разных музыкальных жанрах —от камерных пьес до симфонических и оперных произведений,— он неизменно оставался верен песне, являющейся основой его искусства», — отмечал советский композитор И. Дзержинский.
Музыка песен Соловьева-Седого носит ярко выраженный русский характер. В ней много душевной щедрости, юмора, шутки и той русской грусти, которая столь часто встречается в народных песнях.
Композитором написаны разнообразные по жанрам песни (героические, шуточные, лирические и др.), многие из которых стали подлинно народными. Ряд песен создан в период Великой Отечественной войны: «Вечер на рейде» (1941)—стихи А. Чуркина, «На солнечной поляночке» (1943) — стихи А. Фатьянова, «О чем ты тоскуешь, товарищ моряк» (1943)—стихи В. Лебедева-Кумача, «Соловьи» (1944)—стихи Н. Фатьянова, и др. Необычайная популярность выпала на долю песни «Подмосковные вечера» из кинофильма «В дни спартакиады» (1956)—стихи М. Матусовского.
Кроме песен Соловьевым-Седым созданы балеты «Тарас Бульба» (1940), «В порт вошла «Россия» (1963), оперетты «Верный друг» (1945), «Самое заветное (1952), «Олимпийские звезды» (1962), «Восемнадцать лет» (1967), «У родного причала» (1970), «Жил-был Шельменко» (1978), симфоническая поэма «Партизанщина» (1934), сюита для голоса, с оркестром «Песни восставшей Венгрии» (1932), романсы, пьесы для фортепиано, для скрипки, для виолончели, музыка театральная, к кинофильмам и др.
В Лирическом вальсе из оперетты «Самое заветное» остро ощущается дыхание современности, щедрость истинно русской песенности.

Николай Петрович РАКОВ (р. 1908)—известный композитор, педагог и дирижер. В своих творческих исканиях следует великим традициям русской классики. «Тонкий вкус, изящество и благородство стиля, зрелое мастерство, отличное владение средствами оркестра, богатство и вместе с тем простота музыкальной речи, прочно связанной с народными истоками, искренний теплый лиризм при господстве светлых оптимистических образов,— вот лучшие качества музыки Ракова»,— писал видный советский музыковед А. А: Соловцов.
Среди произведений композитора 3 симфонии (1940, 1957, 1962), сюиты «Марийская» (1931), «Танцевальная» (1934), «Концертная» (1949) и «Балетная» (1950), «Русская увертюра» (1947) в традициях Балакирева и Римского-Корсакова, «Концертный вальс» (1946), «Лирические напевы» (1951) для симфонического оркестра; 2 концерта для скрипки с оркестром (1944, 1963), из 'которых широко известен первый; «Маленькая симфония» для струнного оркестра (1962), 4 концерта для фортепиано со струнным оркестром (1969—1977), инструментальные пьесы, романсы, обработки народных песен.
Обращаясь к жанру миниатюры, композитор создал немало фортепианных пьес, примечательных мастерством формы, изяществом письма, прозрачностью фактуры, спокойными, светлыми настроениями.
В Медленном вальсе доминируют красочные гармонические напластования. На их фоне звучание мелодии в среднем регистре становится особенно сочным, наполненным.

Тихон Николаевич ХРЕННИКОВ (р. 1913)—выдающийся композитор, педагог и музыкально-общественный деятель. Большая творческая палитра в области жанров, разнообразие сюжетов, образов, динамичность и мелодическое обаяние свидетельствуют о его ярком и самобытном таланте.
Хренниковым созданы оперы «В бурю» (1939) по роману «Одиночество» Н. Вирты, «Безродный «зять» (1950; в первой редакции «Фрол Скобеев», 1947) по старорусской повести, «Мать» (1957) по одноименной повести М. Горького, опера-сказка «Мальчик-великан» (1969), комические оперы «Много шума из-за. сердец» (по Шекспиру, 1972), «Доротея» (1983) по мотивам «Дуэньи» Р. Шеридана, «Золотой теленок» (1985) на сюжет И. Ильфа и Е. Петрова, балеты «Наш двор» (1970), «Любовью за любовь» (1976), «Гусарская баллада» (1979), оперетты «Сто чертей и одна девушка» (1963), «Белая ночь» (1967), 3 симфонии (1935, 1942, 1974), 3 концерта для фортепиано с оркестром (1933, 1972, 1983), 2 концерта для скрипки с оркестром (1959, 1975), 2 концерта для виолончели с оркестром (1964, 1986), фортепианные пьесы, романсы, песни, музыка к драматическим спектаклям, кинофильмам — «В шесть часов вечера после войны», «Верные друзья», «Капитанская дочка» и др.
Вальс ми минор из музыки к драме Островского «Без вины виноватые» стал наиболее популярным из сочинений композитора этого жанра. Мягкий, элегический по характеру, с возвышенной пластикой мелодических линий, изяществом гармоний, он согрет искренней душевной теплотой.

Георгий Васильевич СВИРИДОВ (р. 1915)—выдающийся композитор, пианист и музыкально-общественный деятель. Его поиск правды в искусстве, глубина мысли, высокая простота ее воплощения восходят к лучшим национальным традициям русских классиков, особенно Мусоргского.
Индивидуальность стиля Свиридова проявилась в самых ранних сочинениях, уже в цикле романсов на стихи Пушкина (1935). Вокальная музыка, захватившая молодого композитора, и поныне преобладает в его творчестве; хоры a cappella стали классикой, в них раскрыты неизвестные до сих пор возможности; созданы новые разновидности вокальной музыки. Среди произведений Свиридова музыкальные комедии «Настоящий жених» (1939), «Раскинулось море широко» (1943), «Огоньки» (1951), оратория «Владимир Маяковский» (1958), хоровые поэмы «Памяти Сергея Есенина» (1965), «Ладога» (1980), кантатный цикл на народные слова «Курские песни» (1964), в основе которого фольклорные напевы; кантата a cappella «Ночные облака» (1979), симфония для струнного оркестра (1940), симфоническая сюита «Время, вперед!» (1967) из музыки к одноименному кинофильму, «Маленький триптих» для большого симфонического оркестра (1964), где оркестр трактуется как инструментальный хор; «Музыка для камерного оркестра» (1964), 2 концерта для фортепиано с оркестром (1936, 1942), инструментальные ансамбли (фортепианное трио, струнные квартеты и др.), фортепианные пьесы (в том числе «Две партиты», «Альбом пьес для детей»), хоры, песни, романсы, музыка к драматическим спектаклям и кинофильмам.
Вальс из музыки к кинофильму «Метель» — по истокам своим глубоко национальный, русский — обращен к бальным традициям прошлого века. Упругая ритмика и легкое кружево мелодических порывов, торжественность фанфар и экспрессия дуэтных линий, кульминационный драматизм оркестрового tutti во многом определяют яркую эмоционально-художественную выразительность произведения.

Кара Абульфаз-оглы КАРАЕВ (1918—1982) — известный композитор, педагог и музыкально-общественный деятель. Его творчество, несущее мощную струю азербайджанского национального своеобразия, вливается в общий поток передового искусства наших дней.
Музыкальный язык сочинений Караева ярок и красочен, пропитан элементами азербайджанской народной песни. Композитором написано много произведений в разнообразных жанрах. Среди них опера «Вэтэн» («Родина»— 1945, создана совместно с Д. Гаджиевым), «Нежность» (1972) по А. Барбюсу, балеты «Семь красавиц» (1952) по мотивам поэмы Низами и «Тропою грома» (1958), посвященный теме борьбы народов Африки за свое освобождение, — ярчайшие достижения советского балетного творчества; 3 симфонии (1944, 1946, 1965), симфоническая поэма «Лейли и Меджнун»
(1947), симфонические гравюры «Дон-Кихот» (1960), оратории, кантаты, произведения для азербайджанских народных инструментов, камерно-инструментальные ансамбли, фортепианные пьесы, романсы, песни, музыка к театральным постановкам и кинофильмам.
Публикуемый вальс из балета «Семь красавиц» — блестящее завершение дивертисментной сюиты «Семь портретов». Его насыщенно звучащему начальному разделу (в первой теме улавливаются интонации народного лада «чаргях») контрастирует средний раздел со спокойной песенной темой у валторн, которая после динамического нарастания вдруг рассеивается в пассажах деревянных духовых; и снова звучит первая тема, затем — бравурная кода.

Яков Степанович СТЕПОВОЙ (Якименко) (1883-1921)-советский композитор и педагог. Музыкальное образование получил в Петербургской консерватории, которую окончил по классу композиции у Н. Римского-Корсакова и А. Лядова.
В своем творчестве Степовой тяготел к миниатюрности форм. Наибольшую популярность приобрели его фортепианные пьесы (вальсы, прелюдии и др.), отмеченные высоким профессионализмом, мягкостью красок, тонким лиризмом, законченностью деталей. Перу Степового принадлежат также хоры, романсы, песни (среди них антирелигиозные); детские пьесы для фортепиано; обработки украинских народных песен и др.

Анатолий Яковлевич ЛЕПИН (1907-1984) - советский композитор. Музыкальное образование получил в Московской консерватории, окончив историко-тёоретическое отделение и композиторское (класс Ан. Александрова). Заслуженный деятель искусств Латвийской ССР, автор Государственного гимна Латвийской ССР.
Творчеству Лепина присущи светлое оптимистическое восприятие действительности, богатство мелодических интонаций, ясность гармонического языка, упругая ритмическая организация. Среди его произведений опера „Рассвет"; балеты „Лайма", „Джунгли большого, города", „Песня о Гайявате"; оперетты „Лучший день ее жизни",
„У голубого Дуная", „Однажды весной", „Где-то на окраине", „Заочное свидание", „Фортуна"; мюзикл „Золушка хочет домой"; кантата-сюита „Дорога героев"; „Симфония победы", симфоническая поэма „Утро Африки"; 3 концерта для фортепиано с оркестром; хоры, песни; пьесы для фортепиано; музыка для театра и кино (особой популярностью пользуется музыка к кинофильмам „Здравствуй, Москва!" и „Карнавальная ночь").

Евгений Кириллович ГОЛУБЕВ (1910-1988) - советский композитор, педагог. Окончил с отличием Московскую консерваторию (1936) по классу композиции у Н. Мясковского, по фортепиано занимался у С. Фейнберга. Народный артист РСФСР, профессор кафедры композиции Московской консерватории. Среди его учеников Г. Григорян, Т, Николаева, С. Стемпневский, А. Холминов, Г. Шантырь, А. Шнитке, А. Эшпай.
Творчество Е. Голубева опирается на лучшие традиции русской классической музыки, отличается высоким интеллектуализмом, углубленностью чувств, тонким лиризмом, многообразием мелодических линий и интонаций. Блестящая техническая оснащенность и тонкое полифоническое мастерство делают музыку Голубева заметным явлением современного искусства. Композитором написаны: балет „Одиссей"; оратории „Возвращение солнца", „Герои бессмертны", „Октябрьская кантата", „На смерть поэта" (слова М. Лермонтова); 7 симфоний, 2 сюиты, „Торжественная увертюра" и другие сочинения для симфонического оркестра; концерты с оркестром — для фортепиано (3), для скрипки, для альта, для виолончели; 3 квинтета, 18 квартетов; фортепианные произведения (в том числе 6 сонат, „Украинская рапсодия", цикл „В Старой Рузе", „Детский альбом"); инструментальные сонаты и пьесы; хоры, романсы; обработки народных песен; музыка к спектаклям, радиопостановкам.

Серафим Сергеевич ТУЛИКОВ (р. 1914) - советский композитор. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции у В. Белого. Народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР и Государственной премии РСФСР имени Глинки.
Основное место в творчестве Туликова занимает песня. Высокая гражданственность, глубокая идейная убежденность, светлое мироощущение, многообразие мелодических образов (от фанфарно-призывных до окрашенных тонким лиризмом) - основные черты песенного творчества Туликова. Его песни не раз завоевывали первые премии на Международных фестивалях демократической молодежи. Перу композитора также принадлежат: оперетта для детей „Баранкин, будь человеком!"; симфония, „Русская увертюра", увертюра „Месть", „Интермеццо", торжественный казахский марш „Амангельды" для симфонического оркестра; „Концертная сюита", „Молодежная
увертюра" для оркестра народных инструментов; сочинения для эстрадного оркестра; свыше 200 песен и романсов, хоры; фортепианные пьесы; музыка для театра, радио, кино и др.

Карен Суренович ХАЧАТУРЯН (р. 1920) – советский композитор. Музыкальное образование получил в Московской консерватории, которую окончил по классу композиции у Н. Мясковского (занимался также у В. Шебалина и Д. Шостаковича). Учился в аспирантуре (1949-1952) у Н. Мясковского и Ю. Шапорина. Народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии СССР, профессор Московской консерватории.
Для творчества композитора характерны свежесть тематического материала, логичность музыкального развития, ясность гармонического мышления, убедительность драматургической концепции. Среди его произведений балет „Чипполино"; оперетта „Простая девушка"; оратория „Миг истории", кантаты „Цвети и здравствуй молодость!", „У вербы одинокой"; 2 симфонии, симфониетта, 7 сюит, увертюры для симфонического оркестра; сочинения для духового оркестра („Концертный марш", „Состязание", „Марш милиции" и др.); камерно-инструментальная музыка (в том числе квартет, сонаты для скрипки, для виолончели и фортепиано), „Ария" для камерного оркестра; сюиты для эстрадного оркестра; пьесы для фортепиано; романсы, песни; музыка для театра, кино. К. Хачатурян является автором Государственного гимна Сомали.

Герман Германович ГАЛЫНИН (1922-1966)- советский композитор. Музыкальное дарование будущего композитора проявилось очень рано. Уже в пятнадцать лет Галы-нин руководит оркестром народных инструментов в детском доме, где он воспитывался. Свободно играя на разных инструментах оркестра, он делает переложения русских народных песен. В 1937 году Галынин был принят в Центральную музыкальную школу, а затем в Московскую консерваторию. В 1941 году, будучи студентом, ушел добровольцем в армию, где руководил художественной самодеятельностью, создал ряд массовых песен и музыку для театра. Окончил Московскую консерваторию в 1950 году по классу композиции (учился у Н. Мясковского, затем у Д. Шостаковича). Галынин - лауреат Государственной премии имени Глинки (посмертно).
Творчеству композитора присуща художественная законченность, мелодическая щедрость, свой характерный музыкальный язык и стиль изложения, ясность и определенность эмоций, четкая, классическая завершенность форм. Им созданы: оратория „Девушка и смерть"; „Эпическая поэма на русские народные темы", „Молодежная праздничная увертюра" для симфонического оркестра; 2 концерта для фортепиано с оркестром; 2 квартета, трио; инструментальные пьесы; хоры, песни; фортепианные произведения (в том числе „Кончерто-гроссо", сюита, 6 сонат, прелюдии, вариации); музыка для театра и др.

Фикрет Мешали Джамиль-оглы АМИРОВ (1922-1984) -советский композитор; родился в семье народного певца и тариста. Окончил Бакинскую консерваторию по классу композиции у Б. Зейдмана. Азербайджанский музыкальный фольклор изучал под руководством У. Гаджибекова. Народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР и Государственной премии имени Ленинского комсомола АзССР.
Амиров интенсивно работал в самых различных музыкальных жанрах. Творческому почерку композитора присуща глубокая связь с азербайджанской народной музыкой. Важное место в творчестве Амирова занимает симфоническая музыка. Его симфонические мугамы явились удачным опытом симфонизации традиционных инструментальных форм, они имеют большое значение не только для азербайджанской музыки, но и для музыкального искусства народов советского и зарубежного Востока. Среди произведений Амирова оперы „Улдуз", „Севиль"; музыкальные комедии „Похитители сердец", „Радостная весть"; симфония „Памяти Низами", симфонические мугамы „Шур" и „Кюрд-овшары", симфоническая сюита „Азербайджан", „Симфонические танцы", „Азербайджанское каприччио" для симфонического оркестра; концерты для фортепиано с оркестром; хоры, романсы, песни; камерно-инструментальная музыка; произведения для фортепиано („Романтическая соната", вариации, прелюдии, „Детский альбом", „12 миниатюр" и др); обработки народных песен; музыка для театра и кино.

Кирилл Владимирович МОЛЧАНОВ (1922-1982) -советский композитор. Музыкальное образование получил в Московской консерватории, которую окончил по классу композиции у Ан. Александрова. Заслуженный деятель искусств РСФСР.
Творчеству Молчанова присущи высокие гражданственные позиции. Борьба против фашизма — основная тема оперного творчества композитора. Для его сочинений характерны простота, задушевность мелодий, общительная, доверительно обращенная к слушателям музыка, прочная связь с лучшими традициями русской классической музыки, высокий профессионализм. Молчановым написаны: оперы „Каменный цветок", „Заря", „Улица дель Корно", „Ромео, Джульетта и тьма", „Неизвестный солдат", „Русская женщина", „Зори здесь тихие"; балет „Макбет" (по Шекспиру); мюзикл „Одиссей, Пенелопа и другие"; кантата-поэма „Песня о дружбе"; 3 концерта для фортепиано с оркестром; романсы, песни; фортепианные произведения (в том числе цикл „Русские картины"); музыка для театра, кино и др.

Андрей Яковлевич ЭШПАЙ (р. 1925) - известный советский композитор и пианист; родился в семье марийского композитора и фольклориста Я. А. Эшпая. В 1934 году поступил в Музыкальную школу имени Гнесиных (класс фортепиано В. Листовой). В период Великой Отечественной войны Эшпай был на фронте, служил в разведке, пройдя курс обучения в Институте военных переводчиков. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции у Е. Голубева (ранее занимался у Н. Мясковского), по классу фортепиано у В. Софроницкого, затем аспирантуру у А. Хачатуряна. Народный артист СССР, лауреат Ленинской премии и Государственной премии СССР.
„Сила и обаяние музыки А. Эшпая в том, что она наполнена положительными эмоциями. Здесь нет отрицательных образов, гротеска, сатиры, но постоянно ощущается восхищение красотой. Лаконизм, четкость рисунка музыкальных тезисов. Естественность появления и растворения фольклорных интонаций в потоке симфонической музыки. Богатые оркестровые краски превращаются в равноправные по отношению к интонированию и ритмике средства выразительности, в „строительный материал". Полифония занимает все более значительное место в музыке Эшпая, не вытесняя, а скорее оттеняя ее красочность. Он по-своему интерпретирует джазовую ритмику и артикуляцию'(Балтии А. А. Река течет, берега остаются. Сов. музыка. № 5. 1975). Среди произведений Эшпая балеты „Ангара'; „Помните!" („Круг"); оперетта „Нет меня счастливей"; мюзикл „Любить воспрещается"; кантата „Ленин с нами"; 5 симфоний, „Мелодии горных и луговых мари", „Танцы на марийские темы", концерт для симфонического оркестра; концерты с оркестром - для фортепиано (2), для скрипки (2), для гобоя, „Венгерские напевы" для скрипки с оркестром; пьесы для органа Пассакалия памяти Н. Мясковского", прелюдии и др.); инструментальная музыка; пьесы для эстрадного оркестра; романсы, песни, хоры; фортепианные сочинения (сонатины, этюды, „Венгерская тетрадь", детские пьесы и др.); обработки народных песен; музыка для театра и кино. Эшпай - автор ряда
публицистических статей, воспоминаний. Неоднократно был председателем Международного конкурса пианистов имени П. И. Чайковского, а также председателем жюри I Всесоюзного конкурса имени С. В. Рахманинова. Почетный член Общества имени Ф. Листа (США).

Александр Николаевич ХОЛМИНОВ (р. 1925) - советский композитор. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции у Е. Голубева. Интересно работает в различных музыкальных жанрах; наибольшим успехом пользуются его вокальные произведения („Песня о Ленине", „Песня молодых", „Песня дружбы", цикл „Рабочая гордость" и др.). Народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР и Государственной премии РСФСР.
Для творчества Холминова характерна прочная опора на лучшие традиции русской музыки. Его произведения отличаются широкой демократичностью, высоким профессионализмом, идейностью, народностью музыкальных образов. Мелодический язык сочинений Холминова выразителен, насыщен внутренней энергией и динамизмом. Перу композитора принадлежат: оперы „Оптимистическая трагедия", „Шинель" и „Коляска" (по Н. Гоголю), „Анна Снегина" (по С. Есенину), „Чапаев", „Двенадцатая серия" (по рассказу В. Шукшина); кантаты „Здравствуй, Родина!", „Ленин с нами", „Ради жизни на земле"; 3 симфонии, симфонические поэмы „Рожденные бурей", „Молодая гвардия", „Героическая"; „Сюита на русские темы" для хора и оркестра; 4 баллады для баса и симфонического оркестра; произведения для оркестра народных инструментов; хоры, песни, романсы; фортепианные пьесы; музыка для театра, кино и радио.

Родион Константинович ЩЕДРИН (р. 1932) - известный советский композитор, пианист и музыкально-общественный деятель; родился в семье музыканта. Музыкальное образование получил в Московском хоровом училище, затем в Московской консерватории по классу фортепиано у Я. Флиера и по классу композиции у Ю. Шапорина (у него же окончил аспирантуру). Народный артист СССР, лауреат Ленинской премии и Государственной премии СССР.

Творчество Щедрина отличается богатством эмоций и музыкальных образов. Это и озорная шутка, тонкий юмор, мягкая лирика, и высокая гражданственность, масштабность концепций. Прочная связь с народной песней, блестящая техническая оснащенность, новаторство композиторских приемов делают музыку Щедрина значительным явлением современного искусства. Жанровый диапазон творчества композитора очень разнообразен. Им созданы: оперы „Не только любовь", „Мертвые души" (по Н. Гоголю); балеты ,Конек-Горбунок", „Кармен-сюита" (инструментальная транскрипиия партитуры Ж. Бизе), „Анна Каренина", „Чайка", „Дама с собачкой"; „Поэтория-концерт" для поэта в сопровождении оркестра, хора и женского голоса; оратория „Ленин в сердце народном", кантаты „Двадцать восемь", „Бюрократиада"; 3 симфонии, 2 концерта — „Озорные частушки" и “Звоны”, „Музыкальное приношение" (памяти И.-С. Баха), „Портреты" для симфонического оркестра; 3 концерта для фортепиано с оркестром; камерно-инструментальная музыка; романсы, песни, хоры; фортепианные произведения (среди них „24 прелюдии и фуги", „Полифоническая тетрадь", „Тетрадь для юношества", сонаты, пьесы, этюды); музыка для театра и кино. Щедрин - автор многочисленных публицистических и критических статей и рецензий. Участник жюри многих международных конкурсов композиторов и пианистов. Член-корреспондент Баварской академии изящных искусств (ФРГ).

А. Бакулов, А.Шмелева